El pabellón de la galería Serpentine del 2014 por Smiljan Radić

Por Ramiro Camelo

El pabellón de verano de la galería Serpentine del 2014 es diseñado por el arquitecto chileno Smiljan Radić, -el segundo arquitecto latinoamericano después de Oscar Niemeyer- La estructura un tanto experimental hecha de fibra de vidrio semeja un frágil capullo traslucido de textura rugosa, similar al acabado del papel mache y esta sostenida por grandes piedras que le dan la impresión de flotar en el aire. El centro del pabellón es abierto a la luz y una gran piedra descansa en el centro, al pabellón se puede acceder por dos rampas ubicadas hacia el este y oeste.

Radić declaró que la estructura del pabellón es alusiva los ‘follies’ del pasado, esas estructuras románticas que fueron construidas en los parques y que hoy remiten a la idea de ruinas que han sido olvidadas pero sobreviven como espacios fantásticos y arcaicos. “La idea era que luciría como si fuera hecho por las manos de un gigante”.  El proyecto comenzó como un modelo de papel mache, tiras de papel se fueron añadiendo sobre una bola de caucho y después se separo del molde para dar lugar a una especia de cueva ondulada. “Yo no tengo finos movimientos en mis manos, yo prefiero cortar y destruir mas que crear cosas, no soy un creador, entonces mi método es encontrar diferentes posibilidades de las formas y las uso a la medida que las descubro.” 

Radić asumió el reto de pensar el pabellón como una posibilidad muy especial de plantear una nueva relación con sus visitantes. Mencionó como era importante que el espacio reflejara una relación con el clima y el paisaje aledaño, -eso puede explicar los extraños cortes y aberturas que juegan con el concepto de lo externo e interno, de estar adentro pero de alguna manera estar afuera también.  Una de las premisas era recrear una sensación espacial de transitoriedad que no es fácil experimentar a diario.

El pabellón de la galería Serpentine de Radić podría ser recordado como el mas experimental de todos los que se hayan visto, tanto por el uso de material como por su original aproximación a forma y concepto. Radić ha creado un pabellón que gravita en opuestos; luce simultáneamente futurista y prehistórico; aparentemente pesado pero es leve, desde algunas partes de ver hermético pero es muy abierto. En conclusión, una brillante metáfora arquitectónica de la materialidad donde de alguna forma ‘lo crudo’ se encuentra con ‘lo cocido’.

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El arquitecto Smiljan Radić

Fotos y Texto Ramiro Camelo

SERPENTINE PAVILION 2014 

Galería Serpentine en Hyde Park

Abierto diario hasta el 19 de Octubre de 2014.

Crónica visual: Pabellón de la Serpentine de Sou Fujimoto

El pabellón de verano de la galería Serpentine diseñado por el arquitecto Japonés Sou Fujimoto esta construido como una extensa trama de 27.000 tubos de acero, esta estructura semeja un nube posada en el césped y ciertamente parece leve y delicada en contraste con el espacio tradicional de la galería.
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El pabellón de Fujimoto -quien es hasta el momento el arquitecto más joven en ser comisionado por la Serpentine- ocupa 350 metros cuadrados y tiene dos accesos, en su interior alberga un espacio de reunión en el área de cafetería y secciones de terrazas que se pueden escalar.  Es la intención de Fujimoto que los visitantes una vez en el interior estén protegidos de los elementos y al mismo tiempo sigan disfrutando del paisaje alrededor.         
 
Fujimoto resume la premisa del pabellón así: “Para este pabellón yo he propuesto un paisaje arquitectónico  una estructura transparente que incita al espectador a interactuar y a explorar este espacio de maneras diferentes. En el contexto silvestre de Kensington Gardens yo imaginaba como combinar esa exuberancia natural de la vegetación con una estructura geométrica. Un nuevo ambiente resultaría, donde lo natural y lo artificial convergen, no lo arquitectónico aquí y lo natural allá, sino una simbiosis de ambos”  
 
Aparte de los tubos de aceros otro componente fundamental son unos discos de  policarbonato dispuestos en el interior de la estructura y protegen el interior de los rayos del sol directo y de la lluvia. Estos discos transparentes mantiene la premisa arquitectónica de una mínima interferencia visual entre la estructura y el paisaje externo. En este sentido,  durante la presentación Fujimoto señaló que el pabellón estaba formado por no una sino por dos nubes, la primera formada por los cubos de acero, y la segunda por los discos de policarbonato. 
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Uno de los aciertos del pabellón es el juego de caprichosas dimensiones en el cual parece operar. Por esa forma indefinida de ‘nube de niebla’ etérea y variable cuyo registro visual cambia constantemente en la medida que el espectador se mueve de un lado para otro.  Enalgúnn momento cuando los visitantes escalan las terrazas y caminan sobre la estructura se tiene momentáneamente la ilusión visual que están flotando. Ciertamente como Fujimoto lo afirma la estructura junta los extremos de lo natural y lo artificial que también podría ser permitir la interacción entre lo obvio y lo artificioso. Con este proyecto Fujimoto ha logrado un triunfo de la arquitectura contemporánea,  crear un puente que conecta lo construido con la estética de lo natural  manteniendo la singular consistencia que lo ha hecho merecedor de pertenecer a esa lista selecta de miembros de lo que se podría llamar “Arquitectos del Club Serpentine”
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   Sou Fujimoto durante la rueda de prensa

Fotos y Texto: Ramiro Camelo

Crónica visual: Pabellón de la Serpentine de Ai Weiwei y Herzog y de Meuron

Por Ramiro Camelo

La galería Serpentine de Hyde Park en Londres presentó su nuevo pabellón de verano esta vez comisionado al  equipo formado por el artista chino Ai Weiwei y los arquitectos Herzog & de Meuron.  Por diferentes razones la realización de este pabellón esta interconectada a diferentes niveles. En primer lugar los arquitectos suizos son conocidos en Londres por la remodelación de la antigua planta de energía en Bankside que alberga hoy en día la Galería Tate Modern, allí en el 2010 el artista Ai Weiwei cubrió el piso de la sala de turbinas con millones de semillas de porcelana hechas a mano.  Pero tal vez ellos son mas conocidos por el diseño el estadio nacional de Beijing, también llamado ‘The bird’s nest’ el estadio principal del los Juegos Olimpicos del 2008. Asimismo, este es otro de sus proyectos construido en el contexto unos juegos olímpicos.

Pero en un nivel mas simbólico, la culminación del pabellón representa un triunfo sobre la injusta situación de censura y abuso de derechos humanos a que es sometido el artista Ai Weiwei quien aún permanece bajo severa custodia domiciliaria por las autoridades chinas. Ai Weiwei no esta autorizado a viajar fuera de China o a ser visitado por lo que la comunicación con el equipo de Herzog y De Meuron se ha realizado vía Skype. La característica mas innovadora del pabellón es que es la estructura esta atrincherada, casi oculta a la vista. La idea de Herzog y De Meuron y Ai Weiwei fue desde el principio la necesidad de investigar y excavar los vestigios de los 11 previos pabellones que han estado en el mismo lugar. Esta especie de ‘arqueología veloz’ sobre las huellas dejada en los últimos 12 años por otros proyectos permitió que al interponer uno sobre otra las huellas de los cimientos encontrados una serie de terrazas y canales y rampas fueran delineadas.

El crucial acierto fue develar ese paisaje subterráneo en permanente evolución que había estado desconocido hasta ahora. Entonces, la hipótesis era rescatar esa estructura interna invisible desde el exterior y re-usarla con una renovada premisa. Evidentemente esta proposición de una arquitectura de intervención palimpsesta propone una original perspectiva para afrontar proyectos con resultados inesperados. Herzog y De Meuron y Ai Weiwei mencionan que su excavación ‘ha sido como revivir los fantasmas de las anteriores estructuras’. En un video mensaje presentado a la prensa Ai Weiwei dijó: “Primero intentamos analizar lo que se ha hecho antes y nos preguntamos. Porque tenemos que proponer un nuevo diseñó? Entonces, nos enfocamos en la memoria, el pasado y la historia de lo previo.”

El paisaje modelado ha sido recubierto con paneles de corcho, para demarcar, escaleras, rampas y el piso de la estructura. El recubrimiento con paneles de corcho ofrece una ambientación muy particular para los sentidos, especialmente para  el olfato y es también una inspirada analogía de color por esa tierra que ha sido removida. El techo sostenido por once diferentes tipos de columnas, una por cada previo pabellón, es a la vez una piscina llena con 9.000 litros de agua que pueden ser drenados para usar el techo como escenario. El mobiliario escogido son banquetas moviles moldeadas como gigantes corchos de botella de Champaña.

Para algunos el pabellón de Ai Weiwei y Herzog y de Meuron es probablemente una propuesta no muy lograda en términos estéticos en el contexto de los previos pabellones. Pero al basarse precisamente en esas precedentes interpretaciones es ciertamente una apuesta arriesgada que da una lección en la forma de concebir y crear en medio de las limitaciones de un momento particular. De alguna manera es un ejemplo ideal de arquitectura efímera en concepto y ejecución.

Pabellón de la galería Serpentine

Hasta el 12 de Octubre, Londres

Completa información: http://www.serpentinegallery.org

Para ver los eventos del pabellón visite: http://www.serpentinegallery.org/park_nights/

Información relacionada

 BBC video entrevista de Jeremy Paxman con el artista Ai Weiwei (BBC website)
(Este video puede no estar disponible en algunos países)

Fotos: Ramiro Camelo

OMA progress, en la galería del Barbican

Por: Ramiro Camelo

La galería del Barbican Centre, Londres acaba de inaugurar una exhibición sobre la practica arquitectónica del grupo de arquitectos Office for Metropolitan Architecture, conocida popularmente como OMA, liderada por el mundialmente reconocido arquitecto Rem Koolhaas. Curiosamente OMA, fue fundada en Londres en 1975 en la Architectural Association por Koolhaas, Madelon Vriesendorp y Elia y Zoe Zenghelis todos ellos influenciados por las vanguardias estéticas de los 60’s y su primer objetivo fue desarrollar “una forma mutante de urbanismo”. En un principio OMA logro reconocimiento con la publicación de Delirious New York de Rem Koolhaas en 1978, considerado como un manifiesto retroactivo sobre Manhattan y un texto seminal de la arquitectura contemporánea.

En sus años formativos OMA presento excepcionales projectos en concursos como la extensión del parlamento Danes (1978); El parque La Villette, en Paris (1982); el centro de medios ZKM en Karlsruhe (1989) . Durante ese mismo periodo construyó edificios muy ambiciosos, desde casas privadas hasta complejos projectos urbanísticos como Villa Dall’Ava, en Paris (1992); Nexus Housing, en Fukuoka, Japón (1989); La Kunsthall de Rotterdam (1992) y la Maison a Bordeaux (1998). Mucho mas recientemente OMA ha completado La casa de música de Porto, en Portugal (2005); El museo universitario de Seul en Corea del Sur (2005) y La librería central de Seatle (2004) entre otros. En la actualidad OMA esta construyendo El CCTV, el edificio de la televisión estatal China, en Beijing, su projecto mas grande que se espera sera inaugurado a finales de año; El centro de artes de Taipei (2014); y de Rotterdam, uno de los complejos urbanos mas grandes del mundo en Rotterdam (2013). Hoy en día Oma cuenta con 280 arquitectos y aparte de su sede principal en Rotterdam, mantiene oficinas en Beijing, Hong Kong y Nueva York.

La exhibición del Barbican ha sido curada por el colectivo Rotor de Bruselas quienes tomando como base el extenso archivo de OMA, y después de visitar sus oficinas y hablar con muchos arquitectos de la firma han propuesto una exhibición muy experimental pretendiendo crear un retrato de OMA y tambien ‘una exhibición de exhibiciones’ que al momento de la presentacion a la prensa se notaba deliberadamente inconclusa. Rotor además de haber recompuesto el espacio de la galería, -habilitando por primera vez la entrada oeste y reubicando la tienda al interior del espacio- ha decidido mostrar muy pocos modelos de projectos, para enfatizar mucho mas un lado casi desconocido de OMA. el de creador de objetos, por un lado se pueden ver piezas, como una falda para Prada, o un inmenso cojín diseñado para Maison a Bourdeaux, el código de barras para la U.E. pero tambien se enfatiza el papel de OMA como generador de imagenes e ideas: una pantalla presenta una secuencia que dura 48 horas con cerca de tres millones de imagénes del archivo de OMA, asimismo un plotter que imprime en tiempo real fotografías de los projectos en curso.

La exhibición semeja un gran laboratorio enciclopédico de OMA y a la vez una declaracion de principios de su extenso desarrollo material y conceptual. De alguna manera a la vista de este escenario parecería que OMA es no solo una compañía de arquitectura, es mas bien una célula generadora de ideas y también de utopias. Sin lugar a dudas, se podría decir que OMA es la oficina de arquitectura mas vanguardista que se pueda encontrar hoy en día.

“Project Machine” Un display interactivo de todos los projectos de OMA

En el patio de esculturas: Plano 1:1 del Maggie’s Centre de OMA en Gartnavel (Escocia)

Rustica puerta rotativa – entrada de la exhibición-

Plotter imprimiendo reportes e imagenes de los projectos de OMA

Area “Preocupaciones actuales” o Lo que piensa OMA

Vista general de “Preocupaciones actuales”

OMA promueve el reciclaje, algunos paneles de la exhibición han sido usados previamente.

Area “Adaptarse en vez de retirarse”

Falda para el show Prada Transformer (2009), una exhibición diseñada por OMA

En el area ‘Ornamentos’ el escenario estaba en construcción

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Vista de la tienda desde el segundo piso

En el area “Blanco o reluciente”, otra muestra del lo deliberadamente inconcluso

OMA progress
Galería del Barbican Centre, Londres
hasta el 19 de Febrero 2012
Completa información http://www.barbican.org.uk


  • Vea el video de la conferencia de prensa de OMA Progress con Rem Koolhaas (Vimeo).
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Crónica visual: Pabellón de la Serpentine 2011

Por Ramiro Camelo

La galería Serpentine en Hyde Park de Londres ha inaugurado la versión 2011 de su pabellón del verano. Esta vez el arquitecto designado es el suizo Peter Zumthor, -ganador del prestigioso Pritzker Prize en el 2009-. El proyecto de Zumthor esta concebido como un ‘Hortus conclusus’, una expresión en latín que designaba un jardín enclaustrado para la devoción y meditación en los monasterios medievales. El ha declarado que su intención es crear “Un área para la contemplación, un jardín dentro de un jardín, donde el edificio es a la vez un escenario y receptáculo para el jardín interior y la luz natural”.

El pabellón de Zumthor es una muy minimalista estructura rectangular con tres entradas al frente y atrás y techo abierto en el centro. La base ha sido construida sobre un marco de madera y luego recubierto de una semi-tupida red de fibra orgánica, –similar a las usadas para costales de granos- y finalmente se ha recubierto con una emulsión acrílica negra. Al interior hay un corredor rectangular conectando todas las entradas con un exuberante jardín interior. El jardín esta rodeado de continuas bancas y otras pieza de mobiliario -mesas y sillas de zinc anodinado- para que los visitantes puedan sentarse a disfrutar el deleitable ambiente naturalista creado por el jardín. Las 30 variedades de plantas, rosales y pastos del jardín has sido cuidadosamente escogidos por el diseñador de jardines danés Piet Oudolf.

El arquitecto Peter Zumthor

Probablemente este es el mas formal e idílico de todos los pabellones presentados hasta hoy en día. Salta a la vista que no es osadamente vanguardista o estéticamente arriesgado como los de otros arquitectos, por ejemplo: Frank Gehry, Toyo Ito, Daniel Libeskind o Zaha Hadid. Pero definitivamente Zumthor ha dejado atrás las premisas meramente estéticas y ha pretendido homenajear la profusa tradición del jardín en la cultura británica y a la vez captar el Zeigeist contemporáneo entendido como un retorno a lo natural, la interacción con el paisaje y la necesidad de crear espacios amigables para meditación y relajación en medio de la ciudad, todo ello usando materiales totalmente naturales. El pabellón de la galería Serpentine estará abierto gratis hasta el 16 de Octubre presentado conferencias, noches de cine y perfomances. Los eventos concluyen con la ‘Garden Marathon’, una jornada de 24 horas ininterrumpidas de entrevistas organizadas por el curador Hans Ulrich Obrist.

‘Serpentine Pavilion, Black Continues Being Beautiful’ en el website de ACULCO radio

Crónica visual: Pabellón de la Galería Serpentine por Jean Nouvel

Como cada verano desde hace 10 años la Galería Serpentine en Hyde Park ha comisionado a un famoso arquitecto/a para construir su pabellón temporal, esta vez el Francés Jean Nouvel. Entre otros arquitectos que han sido comisionado en años anteriores están: Zaha Hadid, Daniel Libeskind, Frank Gehry, Rem Koolhaas y Oscar Niemeyer.

El pabellón de la Serpentine se ha convertido uno de los eventos mas importantes del calendario arquitectónico en Londres. Vale la pena mencionar que en el 2009 el pabellón fue estéticamente austero y minimalista, diseñado por SANNA una poca conocida practica Japonesa de Tokio. Mas tarde SANNA ganó el premio mas prestigioso de arquitectura, el Pritzker Prize.

El aspecto mas significativo del diseño de Nouvel es uso del color rojo tanto en la estructura como los accesorios, lo que el ha descrito como su “sinfonía roja”. Parecería que Nouvel quisiera homenajear la asociación del color rojo con el mobiliario londinense en buses, buzones de correo y cabinas telefónicas). El pabellón como sitio de encuentro es un espacio muy versátil, tiene techos corredizos, el espacio central -es al mismo tiempo un cafe/bar- se puede cerrar con cortinas para ser convertido rápidamente en un auditorio para charlas y sala de proyección de videos. El entretenimiento y relajación parecería estar garantizado con mesas con tableros de damas y hamacas. Finalmente para fomentar el espitita de un verano francés, Nouvel ha incorporado mesas de Ping-pong y frisbees para uso del publico.

La mayoría de los críticos de arquitectura encuentran el diseño de Nouvel poco espectacular. Nouvel se ha defendido afirmando “El pabellón no es un ejercicio perfecto de ‘arquitectura bella’…” Ciertamente, en vez de belleza el ha tomado parte por crear algo mas funcional y neutro sin demasiadas complicaciones estructurales y estéticas. Al fin y al cabo el pabellón es para los arquitectos una oportunidad para experimentar.

  • El pabellón de la Serpentine estará abierto hasta el 17 de Octubre

(Mueva el cursor a la ventana para ver opciones: Adelante, parar o atras.)

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Visite la pagina oficial: Serpentine Gallery Pavilion 2010

Más imagenes: The Guardian, Jean Nouvel’s Serpentine gallery pavilion

Fotos y texto: Ramiro Camelo