El pabellón de la galería Serpentine del 2014 por Smiljan Radić

Por Ramiro Camelo

El pabellón de verano de la galería Serpentine del 2014 es diseñado por el arquitecto chileno Smiljan Radić, -el segundo arquitecto latinoamericano después de Oscar Niemeyer- La estructura un tanto experimental hecha de fibra de vidrio semeja un frágil capullo traslucido de textura rugosa, similar al acabado del papel mache y esta sostenida por grandes piedras que le dan la impresión de flotar en el aire. El centro del pabellón es abierto a la luz y una gran piedra descansa en el centro, al pabellón se puede acceder por dos rampas ubicadas hacia el este y oeste.

Radić declaró que la estructura del pabellón es alusiva los ‘follies’ del pasado, esas estructuras románticas que fueron construidas en los parques y que hoy remiten a la idea de ruinas que han sido olvidadas pero sobreviven como espacios fantásticos y arcaicos. “La idea era que luciría como si fuera hecho por las manos de un gigante”.  El proyecto comenzó como un modelo de papel mache, tiras de papel se fueron añadiendo sobre una bola de caucho y después se separo del molde para dar lugar a una especia de cueva ondulada. “Yo no tengo finos movimientos en mis manos, yo prefiero cortar y destruir mas que crear cosas, no soy un creador, entonces mi método es encontrar diferentes posibilidades de las formas y las uso a la medida que las descubro.” 

Radić asumió el reto de pensar el pabellón como una posibilidad muy especial de plantear una nueva relación con sus visitantes. Mencionó como era importante que el espacio reflejara una relación con el clima y el paisaje aledaño, -eso puede explicar los extraños cortes y aberturas que juegan con el concepto de lo externo e interno, de estar adentro pero de alguna manera estar afuera también.  Una de las premisas era recrear una sensación espacial de transitoriedad que no es fácil experimentar a diario.

El pabellón de la galería Serpentine de Radić podría ser recordado como el mas experimental de todos los que se hayan visto, tanto por el uso de material como por su original aproximación a forma y concepto. Radić ha creado un pabellón que gravita en opuestos; luce simultáneamente futurista y prehistórico; aparentemente pesado pero es leve, desde algunas partes de ver hermético pero es muy abierto. En conclusión, una brillante metáfora arquitectónica de la materialidad donde de alguna forma ‘lo crudo’ se encuentra con ‘lo cocido’.

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El arquitecto Smiljan Radić

Fotos y Texto Ramiro Camelo

SERPENTINE PAVILION 2014 

Galería Serpentine en Hyde Park

Abierto diario hasta el 19 de Octubre de 2014.
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Crónica visual: Pabellón de la Serpentine de Sou Fujimoto

El pabellón de verano de la galería Serpentine diseñado por el arquitecto Japonés Sou Fujimoto esta construido como una extensa trama de 27.000 tubos de acero, esta estructura semeja un nube posada en el césped y ciertamente parece leve y delicada en contraste con el espacio tradicional de la galería.
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El pabellón de Fujimoto -quien es hasta el momento el arquitecto más joven en ser comisionado por la Serpentine- ocupa 350 metros cuadrados y tiene dos accesos, en su interior alberga un espacio de reunión en el área de cafetería y secciones de terrazas que se pueden escalar.  Es la intención de Fujimoto que los visitantes una vez en el interior estén protegidos de los elementos y al mismo tiempo sigan disfrutando del paisaje alrededor.         
 
Fujimoto resume la premisa del pabellón así: “Para este pabellón yo he propuesto un paisaje arquitectónico  una estructura transparente que incita al espectador a interactuar y a explorar este espacio de maneras diferentes. En el contexto silvestre de Kensington Gardens yo imaginaba como combinar esa exuberancia natural de la vegetación con una estructura geométrica. Un nuevo ambiente resultaría, donde lo natural y lo artificial convergen, no lo arquitectónico aquí y lo natural allá, sino una simbiosis de ambos”  
 
Aparte de los tubos de aceros otro componente fundamental son unos discos de  policarbonato dispuestos en el interior de la estructura y protegen el interior de los rayos del sol directo y de la lluvia. Estos discos transparentes mantiene la premisa arquitectónica de una mínima interferencia visual entre la estructura y el paisaje externo. En este sentido,  durante la presentación Fujimoto señaló que el pabellón estaba formado por no una sino por dos nubes, la primera formada por los cubos de acero, y la segunda por los discos de policarbonato. 
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Uno de los aciertos del pabellón es el juego de caprichosas dimensiones en el cual parece operar. Por esa forma indefinida de ‘nube de niebla’ etérea y variable cuyo registro visual cambia constantemente en la medida que el espectador se mueve de un lado para otro.  Enalgúnn momento cuando los visitantes escalan las terrazas y caminan sobre la estructura se tiene momentáneamente la ilusión visual que están flotando. Ciertamente como Fujimoto lo afirma la estructura junta los extremos de lo natural y lo artificial que también podría ser permitir la interacción entre lo obvio y lo artificioso. Con este proyecto Fujimoto ha logrado un triunfo de la arquitectura contemporánea,  crear un puente que conecta lo construido con la estética de lo natural  manteniendo la singular consistencia que lo ha hecho merecedor de pertenecer a esa lista selecta de miembros de lo que se podría llamar “Arquitectos del Club Serpentine”
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sou Fujimoto

   Sou Fujimoto durante la rueda de prensa

Fotos y Texto: Ramiro Camelo

Crónica visual: Retrospectiva de Roy Lichtenstein en la Tate Modern

La Tate Modern de Londres esta presentando Lichtenstein: a Retrospective, el show más completo de este artista en las dos ultimas décadas. Roy Lichtenstein es el artista norteamericano reconocido por sus pinturas basadas en gigantes reproducciones de tiras cómicas.  El show muestra mas de 125 obras incluidas pinturas, collages, dibujos y esculturas.

La exhibición esta organizada temática y cronológicamente y en el segundo piso de la Tate Modern. Allí los visitantes pueden apreciar los temas y tópicos claves en su obra, desde sus meticulosas y multicolores pinturas de puntos, semejando el lenguaje visual de las tiras cómicas, que lo hicieron famoso en los anos 60 hasta las mas sencillas pinturas en blanco y negro de objetos cotidianos; desde seductivos desnudos hasta su re-interpretaciones de paisajes chinos. Sin olvidar sus recreaciones de obras icónicas de  la historia del arte, como su versión de la catedral de Rouen a la manera de Monet, o su homenaje a la Danza de Matisse o las naturalezas muertas cubistas. La exhibición resulta un fascinante repaso para los  iniciados y un descubrimiento para los novicios del espectacular legado de Roy Lichtenstein.

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Entrada a la exhibición, Galeria Tate Modern

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Two nudes, 1995

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Nudes with beach ball, 1994

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Blue nude, 1995

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Yellow cliffs, 1996

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Woman: sunlight, moonlight, 1996

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Imperfect Paintings  (Gold), 1987

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Izquierda a derecha:  Mirror #5,  1971; Mirror #1 oval, 1969; Mirror # 1, 1970

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Artist’s studio “Look Mickey”, 1973

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Landscape with figures and rainbow, 1980

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Sunrise, 1965

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Ceramic sculpture 7, 1965

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Head with blue shadow, 1965

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Whaam!, 1963

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Portrait triptych (study), 1974

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Izquierda a derecha: Oh, Jeff … I love you, too … but, 1964; Drowing girl, 1963;  Masterpiece, 1962

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Hopeless, 1963 y M-maybe, 1965

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Izquierda a derecha: Modern sculpture, 1967; Modern sculpture with glass wave, 1967;

Modern sculpture (Maquette) c. 1968

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Entablature, 1975

Entrevista exclusiva ACULCO radio: Entrevista con la co-curadora Iria Candela

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Fotos y texto: Ramiro Camelo

LICHTENSTEIN: A RETROSPECTIVE
Tate Modern, Londres
Hasta el 27 de Mayo
Completa Información: http://www.tate.org.uk/lichtenstein

Crónica visual: Pabellón de la Serpentine de Ai Weiwei y Herzog y de Meuron

Por Ramiro Camelo

La galería Serpentine de Hyde Park en Londres presentó su nuevo pabellón de verano esta vez comisionado al  equipo formado por el artista chino Ai Weiwei y los arquitectos Herzog & de Meuron.  Por diferentes razones la realización de este pabellón esta interconectada a diferentes niveles. En primer lugar los arquitectos suizos son conocidos en Londres por la remodelación de la antigua planta de energía en Bankside que alberga hoy en día la Galería Tate Modern, allí en el 2010 el artista Ai Weiwei cubrió el piso de la sala de turbinas con millones de semillas de porcelana hechas a mano.  Pero tal vez ellos son mas conocidos por el diseño el estadio nacional de Beijing, también llamado ‘The bird’s nest’ el estadio principal del los Juegos Olimpicos del 2008. Asimismo, este es otro de sus proyectos construido en el contexto unos juegos olímpicos.

Pero en un nivel mas simbólico, la culminación del pabellón representa un triunfo sobre la injusta situación de censura y abuso de derechos humanos a que es sometido el artista Ai Weiwei quien aún permanece bajo severa custodia domiciliaria por las autoridades chinas. Ai Weiwei no esta autorizado a viajar fuera de China o a ser visitado por lo que la comunicación con el equipo de Herzog y De Meuron se ha realizado vía Skype. La característica mas innovadora del pabellón es que es la estructura esta atrincherada, casi oculta a la vista. La idea de Herzog y De Meuron y Ai Weiwei fue desde el principio la necesidad de investigar y excavar los vestigios de los 11 previos pabellones que han estado en el mismo lugar. Esta especie de ‘arqueología veloz’ sobre las huellas dejada en los últimos 12 años por otros proyectos permitió que al interponer uno sobre otra las huellas de los cimientos encontrados una serie de terrazas y canales y rampas fueran delineadas.

El crucial acierto fue develar ese paisaje subterráneo en permanente evolución que había estado desconocido hasta ahora. Entonces, la hipótesis era rescatar esa estructura interna invisible desde el exterior y re-usarla con una renovada premisa. Evidentemente esta proposición de una arquitectura de intervención palimpsesta propone una original perspectiva para afrontar proyectos con resultados inesperados. Herzog y De Meuron y Ai Weiwei mencionan que su excavación ‘ha sido como revivir los fantasmas de las anteriores estructuras’. En un video mensaje presentado a la prensa Ai Weiwei dijó: “Primero intentamos analizar lo que se ha hecho antes y nos preguntamos. Porque tenemos que proponer un nuevo diseñó? Entonces, nos enfocamos en la memoria, el pasado y la historia de lo previo.”

El paisaje modelado ha sido recubierto con paneles de corcho, para demarcar, escaleras, rampas y el piso de la estructura. El recubrimiento con paneles de corcho ofrece una ambientación muy particular para los sentidos, especialmente para  el olfato y es también una inspirada analogía de color por esa tierra que ha sido removida. El techo sostenido por once diferentes tipos de columnas, una por cada previo pabellón, es a la vez una piscina llena con 9.000 litros de agua que pueden ser drenados para usar el techo como escenario. El mobiliario escogido son banquetas moviles moldeadas como gigantes corchos de botella de Champaña.

Para algunos el pabellón de Ai Weiwei y Herzog y de Meuron es probablemente una propuesta no muy lograda en términos estéticos en el contexto de los previos pabellones. Pero al basarse precisamente en esas precedentes interpretaciones es ciertamente una apuesta arriesgada que da una lección en la forma de concebir y crear en medio de las limitaciones de un momento particular. De alguna manera es un ejemplo ideal de arquitectura efímera en concepto y ejecución.

Pabellón de la galería Serpentine

Hasta el 12 de Octubre, Londres

Completa información: http://www.serpentinegallery.org

Para ver los eventos del pabellón visite: http://www.serpentinegallery.org/park_nights/

Información relacionada

 BBC video entrevista de Jeremy Paxman con el artista Ai Weiwei (BBC website)
(Este video puede no estar disponible en algunos países)

Fotos: Ramiro Camelo

Cronica Visual: Las mejores 75 portadas de la revista LIFE

La revista LIFE desde su fundación en 1936 se ha consolidado probablemente como la mas reconocida y tradicional de las revistas de información que se haya publicado. LIFE siempre ha preferido las imagenes al texto, su portada consiste siempre en una sola fotografía con el logo blanco y rojo en la esquina izquierda es uno de los iconos de la cultura visual del siglo XX. Con motivo de sus 75 años, los editores escogieron las mejores 75 portadas, dentro de las 2237 publicadas. A continuación incluimos 10 portadas de esa selección. Para ver el resto de las portadas visite el enlace al final de esta entrada.

Cobertura de la guerra de Vietnam, 1964. Foto: Larry Burrows/TIME & LIFE Pictures

 La primera portada dedicada a la moda, 1937.  Foto: Alfred Eisenstaedt/TIME & LIFE Pictures

Bombardeo en Italia durante la  Segunda Guerra Mundial, 1944. Foto: U.S Army Air Force/LIFE Magazine

Otra portada sobre la guerra de Vietnam, 1965. Foto: Larry Burrows/TIME & LIFE Pictures

Alfred Hitchcock promociona, ‘Los pajaros’ 1963. Foto: Philippe Halsman/LIFE Magazine

Primeras fotos publicadas de la vida humana antes del nacimiento, 1965. Foto: Lennart Nilsson/LIFE Magazine

Portada  de la edición sobre los felinos Africanos, 1967 . Foto: John Dominis/TIME & LIFE Pictures

Louis Armstrong, 1966. Foto: Philippe Halsman/LIFE Magazine

 Foto de Ed White, el primer astronauta Americano en un paseo espacial, 1965. Foto: James A. McDivitt of NASA/LIFE Magazine

Una de las portadas dedicadas a Marilyn Monroe. 1952. Foto: Philippe Halsman/LIFE Magazine

Todas las imagenes propiedad de LIFE & TIME Magazine

Crónica visual: Pabellón de la Serpentine 2011

Por Ramiro Camelo

La galería Serpentine en Hyde Park de Londres ha inaugurado la versión 2011 de su pabellón del verano. Esta vez el arquitecto designado es el suizo Peter Zumthor, -ganador del prestigioso Pritzker Prize en el 2009-. El proyecto de Zumthor esta concebido como un ‘Hortus conclusus’, una expresión en latín que designaba un jardín enclaustrado para la devoción y meditación en los monasterios medievales. El ha declarado que su intención es crear “Un área para la contemplación, un jardín dentro de un jardín, donde el edificio es a la vez un escenario y receptáculo para el jardín interior y la luz natural”.

El pabellón de Zumthor es una muy minimalista estructura rectangular con tres entradas al frente y atrás y techo abierto en el centro. La base ha sido construida sobre un marco de madera y luego recubierto de una semi-tupida red de fibra orgánica, –similar a las usadas para costales de granos- y finalmente se ha recubierto con una emulsión acrílica negra. Al interior hay un corredor rectangular conectando todas las entradas con un exuberante jardín interior. El jardín esta rodeado de continuas bancas y otras pieza de mobiliario -mesas y sillas de zinc anodinado- para que los visitantes puedan sentarse a disfrutar el deleitable ambiente naturalista creado por el jardín. Las 30 variedades de plantas, rosales y pastos del jardín has sido cuidadosamente escogidos por el diseñador de jardines danés Piet Oudolf.

El arquitecto Peter Zumthor

Probablemente este es el mas formal e idílico de todos los pabellones presentados hasta hoy en día. Salta a la vista que no es osadamente vanguardista o estéticamente arriesgado como los de otros arquitectos, por ejemplo: Frank Gehry, Toyo Ito, Daniel Libeskind o Zaha Hadid. Pero definitivamente Zumthor ha dejado atrás las premisas meramente estéticas y ha pretendido homenajear la profusa tradición del jardín en la cultura británica y a la vez captar el Zeigeist contemporáneo entendido como un retorno a lo natural, la interacción con el paisaje y la necesidad de crear espacios amigables para meditación y relajación en medio de la ciudad, todo ello usando materiales totalmente naturales. El pabellón de la galería Serpentine estará abierto gratis hasta el 16 de Octubre presentado conferencias, noches de cine y perfomances. Los eventos concluyen con la ‘Garden Marathon’, una jornada de 24 horas ininterrumpidas de entrevistas organizadas por el curador Hans Ulrich Obrist.

‘Serpentine Pavilion, Black Continues Being Beautiful’ en el website de ACULCO radio

Crónica visual: Marks & Stencils la galería de Banksy & Compañía

….Se ha convertido ya en una tradición en Londres que para la época navideña un grupo de artistas del graffiti y Street art, liderados por el sumo sacerdote de todos ellos, Banksy, organizen un espacio temporal para promover su trabajo. En los anos anteriores la galería fue bautizada como Santa Ghetto, este año en el corazón de Soho es llamada Marks & Stencils, parodiando la gran cadena de supermercados Marks & Spencer.

El espacio de Marks & Stencil esta inspirado y recrea ese espíritu contestatario, anárquico y anti-institucional de los artistas que representa. Se muestran en sus dos pisos pinturas, dibujos, múltiples e intervenciones de los muy reconocidos artistas como 3D, Al Murphy, Date Farmers, Escif, Ian Stevenson, Kelsey Brookes, Maya Hayuk and por supuesto Banksy. Promoviendo la idea de una arte mas accesible, todas las obras están a la ventas con precios desde £50.

La mayoría de la exhibición esta dedicada al artista Frances Dran. El pinta y dibuja sobre pedazos de cartón. Dran de una manera muy sardónica e irónica explota y recombina los estereotipos y ambigüedades con la información que las cajas de cartón exhiben. En el sótano se ha recreado el estudio de Scribouille, un personaje ficticio que Dran ha creado como su alter-ego.

(Mueva el cursor a la ventana para ver opciones: Adelante, parar o atras.)

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MARKS & STENCILS
1 Berwick Street W1F 0DR Ver mapa
Underground: Piccadilly Circus
11am-7pm Lunes-Sábado
12-5pm Domingo
Entrada Gratis, Abierto hasta el 22 de Diciembre
Fotos y texto: Ramiro Camelo