El pabellón de la galería Serpentine del 2014 por Smiljan Radić

Por Ramiro Camelo

El pabellón de verano de la galería Serpentine del 2014 es diseñado por el arquitecto chileno Smiljan Radić, -el segundo arquitecto latinoamericano después de Oscar Niemeyer- La estructura un tanto experimental hecha de fibra de vidrio semeja un frágil capullo traslucido de textura rugosa, similar al acabado del papel mache y esta sostenida por grandes piedras que le dan la impresión de flotar en el aire. El centro del pabellón es abierto a la luz y una gran piedra descansa en el centro, al pabellón se puede acceder por dos rampas ubicadas hacia el este y oeste.

Radić declaró que la estructura del pabellón es alusiva los ‘follies’ del pasado, esas estructuras románticas que fueron construidas en los parques y que hoy remiten a la idea de ruinas que han sido olvidadas pero sobreviven como espacios fantásticos y arcaicos. “La idea era que luciría como si fuera hecho por las manos de un gigante”.  El proyecto comenzó como un modelo de papel mache, tiras de papel se fueron añadiendo sobre una bola de caucho y después se separo del molde para dar lugar a una especia de cueva ondulada. “Yo no tengo finos movimientos en mis manos, yo prefiero cortar y destruir mas que crear cosas, no soy un creador, entonces mi método es encontrar diferentes posibilidades de las formas y las uso a la medida que las descubro.” 

Radić asumió el reto de pensar el pabellón como una posibilidad muy especial de plantear una nueva relación con sus visitantes. Mencionó como era importante que el espacio reflejara una relación con el clima y el paisaje aledaño, -eso puede explicar los extraños cortes y aberturas que juegan con el concepto de lo externo e interno, de estar adentro pero de alguna manera estar afuera también.  Una de las premisas era recrear una sensación espacial de transitoriedad que no es fácil experimentar a diario.

El pabellón de la galería Serpentine de Radić podría ser recordado como el mas experimental de todos los que se hayan visto, tanto por el uso de material como por su original aproximación a forma y concepto. Radić ha creado un pabellón que gravita en opuestos; luce simultáneamente futurista y prehistórico; aparentemente pesado pero es leve, desde algunas partes de ver hermético pero es muy abierto. En conclusión, una brillante metáfora arquitectónica de la materialidad donde de alguna forma ‘lo crudo’ se encuentra con ‘lo cocido’.

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El arquitecto Smiljan Radić

Fotos y Texto Ramiro Camelo

SERPENTINE PAVILION 2014 

Galería Serpentine en Hyde Park

Abierto diario hasta el 19 de Octubre de 2014.

Crónica visual: Pabellón de la Serpentine de Sou Fujimoto

El pabellón de verano de la galería Serpentine diseñado por el arquitecto Japonés Sou Fujimoto esta construido como una extensa trama de 27.000 tubos de acero, esta estructura semeja un nube posada en el césped y ciertamente parece leve y delicada en contraste con el espacio tradicional de la galería.
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El pabellón de Fujimoto -quien es hasta el momento el arquitecto más joven en ser comisionado por la Serpentine- ocupa 350 metros cuadrados y tiene dos accesos, en su interior alberga un espacio de reunión en el área de cafetería y secciones de terrazas que se pueden escalar.  Es la intención de Fujimoto que los visitantes una vez en el interior estén protegidos de los elementos y al mismo tiempo sigan disfrutando del paisaje alrededor.         
 
Fujimoto resume la premisa del pabellón así: “Para este pabellón yo he propuesto un paisaje arquitectónico  una estructura transparente que incita al espectador a interactuar y a explorar este espacio de maneras diferentes. En el contexto silvestre de Kensington Gardens yo imaginaba como combinar esa exuberancia natural de la vegetación con una estructura geométrica. Un nuevo ambiente resultaría, donde lo natural y lo artificial convergen, no lo arquitectónico aquí y lo natural allá, sino una simbiosis de ambos”  
 
Aparte de los tubos de aceros otro componente fundamental son unos discos de  policarbonato dispuestos en el interior de la estructura y protegen el interior de los rayos del sol directo y de la lluvia. Estos discos transparentes mantiene la premisa arquitectónica de una mínima interferencia visual entre la estructura y el paisaje externo. En este sentido,  durante la presentación Fujimoto señaló que el pabellón estaba formado por no una sino por dos nubes, la primera formada por los cubos de acero, y la segunda por los discos de policarbonato. 
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Uno de los aciertos del pabellón es el juego de caprichosas dimensiones en el cual parece operar. Por esa forma indefinida de ‘nube de niebla’ etérea y variable cuyo registro visual cambia constantemente en la medida que el espectador se mueve de un lado para otro.  Enalgúnn momento cuando los visitantes escalan las terrazas y caminan sobre la estructura se tiene momentáneamente la ilusión visual que están flotando. Ciertamente como Fujimoto lo afirma la estructura junta los extremos de lo natural y lo artificial que también podría ser permitir la interacción entre lo obvio y lo artificioso. Con este proyecto Fujimoto ha logrado un triunfo de la arquitectura contemporánea,  crear un puente que conecta lo construido con la estética de lo natural  manteniendo la singular consistencia que lo ha hecho merecedor de pertenecer a esa lista selecta de miembros de lo que se podría llamar “Arquitectos del Club Serpentine”
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sou Fujimoto

   Sou Fujimoto durante la rueda de prensa

Fotos y Texto: Ramiro Camelo

Crónica visual: Pabellón de la Serpentine de Ai Weiwei y Herzog y de Meuron

Por Ramiro Camelo

La galería Serpentine de Hyde Park en Londres presentó su nuevo pabellón de verano esta vez comisionado al  equipo formado por el artista chino Ai Weiwei y los arquitectos Herzog & de Meuron.  Por diferentes razones la realización de este pabellón esta interconectada a diferentes niveles. En primer lugar los arquitectos suizos son conocidos en Londres por la remodelación de la antigua planta de energía en Bankside que alberga hoy en día la Galería Tate Modern, allí en el 2010 el artista Ai Weiwei cubrió el piso de la sala de turbinas con millones de semillas de porcelana hechas a mano.  Pero tal vez ellos son mas conocidos por el diseño el estadio nacional de Beijing, también llamado ‘The bird’s nest’ el estadio principal del los Juegos Olimpicos del 2008. Asimismo, este es otro de sus proyectos construido en el contexto unos juegos olímpicos.

Pero en un nivel mas simbólico, la culminación del pabellón representa un triunfo sobre la injusta situación de censura y abuso de derechos humanos a que es sometido el artista Ai Weiwei quien aún permanece bajo severa custodia domiciliaria por las autoridades chinas. Ai Weiwei no esta autorizado a viajar fuera de China o a ser visitado por lo que la comunicación con el equipo de Herzog y De Meuron se ha realizado vía Skype. La característica mas innovadora del pabellón es que es la estructura esta atrincherada, casi oculta a la vista. La idea de Herzog y De Meuron y Ai Weiwei fue desde el principio la necesidad de investigar y excavar los vestigios de los 11 previos pabellones que han estado en el mismo lugar. Esta especie de ‘arqueología veloz’ sobre las huellas dejada en los últimos 12 años por otros proyectos permitió que al interponer uno sobre otra las huellas de los cimientos encontrados una serie de terrazas y canales y rampas fueran delineadas.

El crucial acierto fue develar ese paisaje subterráneo en permanente evolución que había estado desconocido hasta ahora. Entonces, la hipótesis era rescatar esa estructura interna invisible desde el exterior y re-usarla con una renovada premisa. Evidentemente esta proposición de una arquitectura de intervención palimpsesta propone una original perspectiva para afrontar proyectos con resultados inesperados. Herzog y De Meuron y Ai Weiwei mencionan que su excavación ‘ha sido como revivir los fantasmas de las anteriores estructuras’. En un video mensaje presentado a la prensa Ai Weiwei dijó: “Primero intentamos analizar lo que se ha hecho antes y nos preguntamos. Porque tenemos que proponer un nuevo diseñó? Entonces, nos enfocamos en la memoria, el pasado y la historia de lo previo.”

El paisaje modelado ha sido recubierto con paneles de corcho, para demarcar, escaleras, rampas y el piso de la estructura. El recubrimiento con paneles de corcho ofrece una ambientación muy particular para los sentidos, especialmente para  el olfato y es también una inspirada analogía de color por esa tierra que ha sido removida. El techo sostenido por once diferentes tipos de columnas, una por cada previo pabellón, es a la vez una piscina llena con 9.000 litros de agua que pueden ser drenados para usar el techo como escenario. El mobiliario escogido son banquetas moviles moldeadas como gigantes corchos de botella de Champaña.

Para algunos el pabellón de Ai Weiwei y Herzog y de Meuron es probablemente una propuesta no muy lograda en términos estéticos en el contexto de los previos pabellones. Pero al basarse precisamente en esas precedentes interpretaciones es ciertamente una apuesta arriesgada que da una lección en la forma de concebir y crear en medio de las limitaciones de un momento particular. De alguna manera es un ejemplo ideal de arquitectura efímera en concepto y ejecución.

Pabellón de la galería Serpentine

Hasta el 12 de Octubre, Londres

Completa información: http://www.serpentinegallery.org

Para ver los eventos del pabellón visite: http://www.serpentinegallery.org/park_nights/

Información relacionada

 BBC video entrevista de Jeremy Paxman con el artista Ai Weiwei (BBC website)
(Este video puede no estar disponible en algunos países)

Fotos: Ramiro Camelo

OMA progress, en la galería del Barbican

Por: Ramiro Camelo

La galería del Barbican Centre, Londres acaba de inaugurar una exhibición sobre la practica arquitectónica del grupo de arquitectos Office for Metropolitan Architecture, conocida popularmente como OMA, liderada por el mundialmente reconocido arquitecto Rem Koolhaas. Curiosamente OMA, fue fundada en Londres en 1975 en la Architectural Association por Koolhaas, Madelon Vriesendorp y Elia y Zoe Zenghelis todos ellos influenciados por las vanguardias estéticas de los 60’s y su primer objetivo fue desarrollar “una forma mutante de urbanismo”. En un principio OMA logro reconocimiento con la publicación de Delirious New York de Rem Koolhaas en 1978, considerado como un manifiesto retroactivo sobre Manhattan y un texto seminal de la arquitectura contemporánea.

En sus años formativos OMA presento excepcionales projectos en concursos como la extensión del parlamento Danes (1978); El parque La Villette, en Paris (1982); el centro de medios ZKM en Karlsruhe (1989) . Durante ese mismo periodo construyó edificios muy ambiciosos, desde casas privadas hasta complejos projectos urbanísticos como Villa Dall’Ava, en Paris (1992); Nexus Housing, en Fukuoka, Japón (1989); La Kunsthall de Rotterdam (1992) y la Maison a Bordeaux (1998). Mucho mas recientemente OMA ha completado La casa de música de Porto, en Portugal (2005); El museo universitario de Seul en Corea del Sur (2005) y La librería central de Seatle (2004) entre otros. En la actualidad OMA esta construyendo El CCTV, el edificio de la televisión estatal China, en Beijing, su projecto mas grande que se espera sera inaugurado a finales de año; El centro de artes de Taipei (2014); y de Rotterdam, uno de los complejos urbanos mas grandes del mundo en Rotterdam (2013). Hoy en día Oma cuenta con 280 arquitectos y aparte de su sede principal en Rotterdam, mantiene oficinas en Beijing, Hong Kong y Nueva York.

La exhibición del Barbican ha sido curada por el colectivo Rotor de Bruselas quienes tomando como base el extenso archivo de OMA, y después de visitar sus oficinas y hablar con muchos arquitectos de la firma han propuesto una exhibición muy experimental pretendiendo crear un retrato de OMA y tambien ‘una exhibición de exhibiciones’ que al momento de la presentacion a la prensa se notaba deliberadamente inconclusa. Rotor además de haber recompuesto el espacio de la galería, -habilitando por primera vez la entrada oeste y reubicando la tienda al interior del espacio- ha decidido mostrar muy pocos modelos de projectos, para enfatizar mucho mas un lado casi desconocido de OMA. el de creador de objetos, por un lado se pueden ver piezas, como una falda para Prada, o un inmenso cojín diseñado para Maison a Bourdeaux, el código de barras para la U.E. pero tambien se enfatiza el papel de OMA como generador de imagenes e ideas: una pantalla presenta una secuencia que dura 48 horas con cerca de tres millones de imagénes del archivo de OMA, asimismo un plotter que imprime en tiempo real fotografías de los projectos en curso.

La exhibición semeja un gran laboratorio enciclopédico de OMA y a la vez una declaracion de principios de su extenso desarrollo material y conceptual. De alguna manera a la vista de este escenario parecería que OMA es no solo una compañía de arquitectura, es mas bien una célula generadora de ideas y también de utopias. Sin lugar a dudas, se podría decir que OMA es la oficina de arquitectura mas vanguardista que se pueda encontrar hoy en día.

“Project Machine” Un display interactivo de todos los projectos de OMA

En el patio de esculturas: Plano 1:1 del Maggie’s Centre de OMA en Gartnavel (Escocia)

Rustica puerta rotativa – entrada de la exhibición-

Plotter imprimiendo reportes e imagenes de los projectos de OMA

Area “Preocupaciones actuales” o Lo que piensa OMA

Vista general de “Preocupaciones actuales”

OMA promueve el reciclaje, algunos paneles de la exhibición han sido usados previamente.

Area “Adaptarse en vez de retirarse”

Falda para el show Prada Transformer (2009), una exhibición diseñada por OMA

En el area ‘Ornamentos’ el escenario estaba en construcción

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Vista de la tienda desde el segundo piso

En el area “Blanco o reluciente”, otra muestra del lo deliberadamente inconcluso

OMA progress
Galería del Barbican Centre, Londres
hasta el 19 de Febrero 2012
Completa información http://www.barbican.org.uk


  • Vea el video de la conferencia de prensa de OMA Progress con Rem Koolhaas (Vimeo).
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Crónica visual: Pabellón de la Serpentine 2011

Por Ramiro Camelo

La galería Serpentine en Hyde Park de Londres ha inaugurado la versión 2011 de su pabellón del verano. Esta vez el arquitecto designado es el suizo Peter Zumthor, -ganador del prestigioso Pritzker Prize en el 2009-. El proyecto de Zumthor esta concebido como un ‘Hortus conclusus’, una expresión en latín que designaba un jardín enclaustrado para la devoción y meditación en los monasterios medievales. El ha declarado que su intención es crear “Un área para la contemplación, un jardín dentro de un jardín, donde el edificio es a la vez un escenario y receptáculo para el jardín interior y la luz natural”.

El pabellón de Zumthor es una muy minimalista estructura rectangular con tres entradas al frente y atrás y techo abierto en el centro. La base ha sido construida sobre un marco de madera y luego recubierto de una semi-tupida red de fibra orgánica, –similar a las usadas para costales de granos- y finalmente se ha recubierto con una emulsión acrílica negra. Al interior hay un corredor rectangular conectando todas las entradas con un exuberante jardín interior. El jardín esta rodeado de continuas bancas y otras pieza de mobiliario -mesas y sillas de zinc anodinado- para que los visitantes puedan sentarse a disfrutar el deleitable ambiente naturalista creado por el jardín. Las 30 variedades de plantas, rosales y pastos del jardín has sido cuidadosamente escogidos por el diseñador de jardines danés Piet Oudolf.

El arquitecto Peter Zumthor

Probablemente este es el mas formal e idílico de todos los pabellones presentados hasta hoy en día. Salta a la vista que no es osadamente vanguardista o estéticamente arriesgado como los de otros arquitectos, por ejemplo: Frank Gehry, Toyo Ito, Daniel Libeskind o Zaha Hadid. Pero definitivamente Zumthor ha dejado atrás las premisas meramente estéticas y ha pretendido homenajear la profusa tradición del jardín en la cultura británica y a la vez captar el Zeigeist contemporáneo entendido como un retorno a lo natural, la interacción con el paisaje y la necesidad de crear espacios amigables para meditación y relajación en medio de la ciudad, todo ello usando materiales totalmente naturales. El pabellón de la galería Serpentine estará abierto gratis hasta el 16 de Octubre presentado conferencias, noches de cine y perfomances. Los eventos concluyen con la ‘Garden Marathon’, una jornada de 24 horas ininterrumpidas de entrevistas organizadas por el curador Hans Ulrich Obrist.

‘Serpentine Pavilion, Black Continues Being Beautiful’ en el website de ACULCO radio

La casa más costosa del mundo: Antilia Tower, Mumbai

Por Ramiro Camelo

El señor Mukesh Ambani, es un empresario Hindú que aparece en el lugar No 9 de los supermillonarios del planeta, según la lista recientemente publicada por la Revista Forbes. Pero aparte de su riqueza Ambani es conocido por ser el propietario de la habitación privada mas costosa del mundo,  su Antilia Tower en el sur de Mumbai ha sido valorada en 1.8 billones de dólares y se tomo tres años en ser construida. Nunca ha sido mas cierto ese refrán que dice: “La casa de un hombre  es el castillo de su esposa”.

Antilia Tower es la residencia familiar de los Ambani que consta solo de cinco miembros, los padres y tres hijos. El edifico que semeja una serie de cubos superpuestos, supuestamente inspirada por los jardines colgantes de Babilonia, fue construida por la firma Norteamericana Perkins+Wills. Antilia es un perfecto ejemplo de la extravagancia arquitectónica de Ambani. Las cifras hablan por si solas, el edificio tiene 173 metros de alto; 37.000 metros cuadrados distribuidos en 27 pisos; parqueadero para 160 automóviles; tres helipuertos; sala de cine para 50 personas; tres pisos de jardines colgantes; gimnasio; salon de baile; estudio de yoga; tres piscinas; 9 ascensores y se ha declarado que la servidumbre consta de 600 personas.

La construcción de Antilia Tower ha estado rodeada de polémica. Las autoridades aeronáuticas hindúes consideran que su helipuertos no cumplen con las normas legales y amenazan la tranquilidad del sector. Asimismo, algunos activistas medio ambientales han cuestionado el consumo de energía de la construcción ya que la prensa reporto que la primera cuenta de electricidad alcanzo la suma de US 158.000. No lejos de allí sobreviven familias en condiciones deplorables de pobreza, apretujados en improvisadas casuchas de cartón, sin agua ni electricidad y alimentándose de la basura …. Así son las paradojas de Mumbai. [R.C.]

Sucedió en el hotel Chelsea…

Por Ramiro Camelo

Hace unas semanas se publicó en el New York Times un articulo sobre la inminente venta y el incierto futuro del Chelsea Hotel de Nueva York. Es ya evidente que después de la partida del carismático Stanley Bard de su administración, el Chelsea ha perdido esa celebrada aura creativa que lo hizo legendario décadas atrás.

El Chelsea Hotel construido en 1883 en West 23rd Street fue el mas celebrado hotel de la bohemia creativa de Nueva York desde comienzos del siglo XX, si el Plaza tiene estilo y el Waldorf-Astoria opulencia, el Chelsea tiene historias prolíficas, extravagantes leyendas esperando ser recordadas. Tiene el Chelsea una fuerza, o una maldición, que parece haber inducido a muchos de sus huéspedes al disparate y el éxtasis.  Parecería que el Chelsea es ese vórtice donde todas las debilidades, fortalezas, furias y frenesí han concurrido.

Por sus habitaciones han desfilado un grupo exquisito de actores, músicos, escritores artistas y celebridades. La lista es larga, pero basta mencionar sus mas memorables huéspedes: Arthur Miller, Allen Ginsberg, William S. Burroughs, Leonard Cohen, Charles Bukowski, Tennessee Williams, Marilyn Monroe, Andy Warhol, Jimi Hendrix, Larry Rivers, Robert Mapplethorpe, Bob Dylan, Mark Twain, Bob Marley, Jean-Paul Sartre, Thomas Wolfe, Frida Kahlo, Patti Smith, Tennessee Williams, Derek Walcott, Edith Piaf, Madonna, Robert Crumb, Tom Waits, Janis Joplin o Yves Klein.

Aparte de ser una de la cunas de la cultura y contra cultura neoyorquina, mucho se ha dicho y escrito del Chelsea, por ejemplo, Nelson Algren el autor de ‘El hombre con el brazo de oro’, describió el Chelsea como “Un hotel habitado de solitarios monstruos”. Arthur Miller, dijo, “Chelsea, es el único hotel que conozco sin divisiones de clase”. Thomas Wolfe, dijo que después de vivir en el Chelsea  “No podrás volver a casa …”. Pero quizás unas de las mas poéticas palabras vinieron del poeta John Lee Master, quien habito el Chelsea en los años 30’s, y escribió el poema ‘The hotel Chelsea’:

(…) Que amores han morado aquí

que desesperación perdura

que niños nacieron aquí

que dolientes lo abandonan

que sosiego y lamentos estas habitaciones conocen (…)


“Un momento de descanso para excepcionales visitantes” así podría traducirse el moto del Chelsea hotel. Pero descanso ciertamente no es lo que muchos de los huéspedes del Chelsea  buscaban. Dentro de sus muchas excéntricas, bizarras y curiosas historias aquí están algunas de las 10 mas significativas o probablemente las mas conocidas. De algunas otras probablemente nunca se sabrá…

1. Sid y Nancy, demasiado jóvenes para vivir

Definitivamente el momento mas trágico de la historia del Chelsea fue el 12 de octubre de 1978.  En la habitación 100 ese día Sid Vicious, el atormentado bajista de The Sex pistols, se despertó de un largo trance inducido por alucinógenos para encontrar a su novia Nancy Spungen apuñalada en el baño. El cuchillo usado para matar a Nancy pertenecía a Vicious quien originalmente en medio de la confusión se declaro culpable, pero luego se retracto.

Vicious muchas veces había declarado que “quería unirse a Nancy”, por ello trato de suicidarse dos veces cortándose las venas y saltando por una ventana, su ineptitud le permitió sobrevivir.  Finalmente, murió antes del juicio, aparentemente se suicido con una sobredosis de heroína en una fiesta que su madre organizo cuando fue liberado bajo palabra. Nancy quien pertenecía a una familia aristócrata de Filadelfia de alguna profetizo su final, alguna vez dijo a sus padres “Nunca llegare a los 21… antes desapareceré en un momento de gloria”.

La habitación 100 no existe hoy en día, aburridos de los continuos peregrinajes de fanáticos que iban a escribir y tallar con cuchillos dedicatorias en la puerta y dejar flores, los administradores decidieron derribarla y adicionar mas espacio a las habitaciones adyacentes..

2. Edie Sedgwick en grandes bolas de fuego

Edie Sedgwick la chica ‘It’ de los 60’s  modelo y actriz adorada por Andy Warhol. En algún momento Edie y Andy fueron la “pareja-no-pareja” mas solicitadas en Nueva York. Edie se mudo al  Chelsea allí conoció a Leonard Cohen y se enamoro de Bob Dylan, se dice que Dylan ‘Leopardskin Pillbox Hat’ fue inspirada por ella.

Sedgwick también encontró un lugar equivocado para jugar con fuego. Una noche de 1966, probablemente en un momento de indiferencia alucinógena y a pesar de las advertencias de Leonard Cohen, se durmió con velas prendidas y milagrosamente se despertó en medio del fuego, escapo con leves quemaduras. Después de otros fuegos y escenas en el lobby cuando no tenia dinero para pagar la renta, muchos huéspedes estuvieron complacidos cuando Edie se fue del Chelsea. Los administradores, -conocidos como los Bards- estaban convencidos que su ‘velada piromanía’, esa tendencia a  dormirse fumando en su propio santuario de velas encendidas era un serio riesgo para la seguridad del Chelsea.

Paradójicamente la vida de Sedgwick ejemplariza el síndrome de los 15 minutos de fama warholianos. Aquella bella rubia hija de un magnate petrolero tuvo sus 15 minutos de ‘Poor-little-rich-girl’, drogas, anorexia, portadas de Vogue Magazine, limosinas, electrochoques y Bob Dylan. Ella murió a los 28 años por una probable sobredosis de barbitúricos.

3. La flora, fauna y fantasmas de George Kleinsinger

Kleinsinger fue un compositor que vivió en el Chelsea por casi veinte anos. Es conocido por componer la música de la popular canción infantil anglosajona ‘Tubby the Tuba’. El aseguraba que podía sentir los fantasmas del Chelsea caminando por las escaleras. Entre esas apariciones Kleinsinger mencionaba la del  poeta irlandés Brendan Behan, otro ilustre Chelseista quien escribió ‘Confesiones de un rebelde Irlandés’ viviendo en el Chelsea, la historia de Behan es tan singular que su nieta Janet escribió una pieza de teatro  ‘Brendan at the Chelsea’, y también Kleinsinger creo una composición en su honor llamada ‘En recuerdo de Brendan’.

Sin embargo lo mas atrayente era que el estudio de Kleinsinger en el piso 10, semejaba una curiosa jungla tropical poblada de arboles y plantas. Algunos visitantes no podían creer que estaban en el medio de Manhattan. Entre sus originales mascotas estaban un pitón de 3 metros, una boa, una iguana, pirañas, monos, 40 camaleones, un koala, 3 papagayos y muchas mas aves exóticas.

4. Dylan Thomas rompe un record …

En 1953, el poeta Gales Dylan Thomas vivió allí cuando reescribía la versión final de ‘Under the Milky way’. No era ningún secreto que Thomas era un alcohólico consumado. Así  cuenta la leyenda que un día estando en su bar favorito el ‘White Horse Tavern’, unas calles al sur del Chelsea Hotel, Thomas bebió 18 whiskys consecutivos y orgullosamente confeso “Este deber ser un record…”.  Es una lastima que para ese época el ‘Libro Guinness de récords’ no existía todavía.

Días después, su bronquitis y neumonía empeoraron y con muchas dificultades para respirar Thomas entro en coma diabético.  Fue conducido de emergencia desde el Chelsea hasta el St Vicent’s Hospital donde estuvo internado por tres días hasta su muerte. No llego a los 40… Hoy en la entrada del Chelsea hay una famosa placa que dice: “Dylan Thomas vivió en el Chelsea Hotel y de aquí el viajo a su muerte”.

5. El manifiesto del Hotel Chelsea

En 1961 viviendo en el Chelsea, un año antes de su  prematura muerte Yves Klein escribió el ‘Chelsea Hotel Manifesto’, basándose en un articulo muy similar publicado en Zero No 1, llamado: ‘Le vrai devient réalité’, ‘La verdad deviene realidad’.

Se mencionaba que muchos residentes del Chelsea memorizaron el manifiesto de Klein, en el cual aparte de responder irónicamente a sus críticos, Klein declara haber manipulado las fuerzas del vacío, inventado la arquitectura y el urbanismo del aire, creado estados pictóricos inmateriales, propuesto una nueva concepción de la música con la «Sinfonía monótona-silencio», y su odio a los pájaros.

“(…) Aquel día, tumbado en la playa de Niza, empecé a odiar a los pájaros que volaban de un lado a otro de mi cielo azul, mi cielo sin nubes, porque intentaban hacer agujeros en mi mejor y más bella obra.

Había que eliminar a los pájaros.”

Lea completo el Manifiesto del hotel Chelsea aquí:

6. Valerie Solanas, El otro manifiesto

El Chelsea Hotel Manifiesto no es el único concebido en las habitaciones del Chelsea.  En 1967, otro huésped, la feminista  radical Valerie Solanas, dio a conocer el ‘SCUM manifesto’, un celebre incendiario manifiesto para lanzar un ficticio grupo feminista llamado SCUM ‘Society for Cutting Up Men’ (Sociedad para despedazar los hombres). Ante la imposibilidad de encontrar una imprenta que publicara su manifiesto, Solanas reimprimió copias mimeografiadas y las vendió en las calles, en algún momento incluyo publicidad  del SCUM manifiesto en el Village Voice.

(…) El macho es un accidente biológico: el gen Y (masculino) es un gen X (femenino) incompleto, es decir, tiene una serie incompleta de cromosomas. En otras palabras, el hombre es una mujer inacabada, un aborto andante en estado de gen. Ser macho es ser deficiente, emocionalmente limitado; la masculinidad es un error orgánico y los hombres son lisiados emocionales.”

Tiempo después, Solanas desilusionada debido a la demora en el pago de una supuesta deuda pendiente que Maurice Girodias y Andy Warhol debían pagarle por los derechos de adaptación del SCUM manifiesto, compro una pistola 32 automática y fue a The Factory donde disparo a Andy Warhol. Por esta acción Solanas se convirtió en una figura publica del movimiento feminista y Warhol sobrevivió gracias a una delicada cirugía. Ella fue declarada culpable de asalto agravado y fue condenada a tres años en la penitenciaria femenina del estado de Nueva York.

Lea completo el ‘SCUM Manifiesto’ aquí:

7. Robert Mapplethorpe y Patti Smith:  Habitación 1017

Dos ambiciosos jóvenes se encuentran en Nueva York, Patti Smith, criada en un rígida familia de testigos de Jehová y escapando de New Jersey y Robert, estudiante de arte, hijo de una familia de clase media católica irlandesa.  Un día de Julio de 1969 Patti Smith arribo al Chelsea con Robert Mapplethorpe, afectado por una severa infección de encías. Ese era el único refugio donde un artista desconocido y sin un solo dólar podía estar. Ella fue a la oficina de Stanley Bard y dijo: “Hola! Me llamo Patti Smith, y vengo con Robert Mapplethorpe, usted no nos conoce, pero un día nosotros seremos famosos, el problema es que no tenemos dinero… Robert esta enfermo, nada serio solo una gingivitis”. Patti Smith le mostró el portafolio de Mapplethorpe para sugerirlo como garantía, después de mucho insistir ella logro convencer a Bard, quien le dio la llave de la habitación 1017, la mas pequeña del Chelsea, pero en aquel momento la 1017 era como el paraíso, confeso Smith en su autobiografía.

Otro huésped del Chelsea, la fotógrafa Sandy Daley presto a Mapplethorpe una cámara Polaroid y bajo sus tutelaje el comenzó a experimentar. Aparte de ser su mentor creativa ella también se convirtió en su guía del downtown de Nueva York, introduciendo a Mapplethorpe y Smith al Max’s Kansas City, el club frecuentado por la elite creativa de la época, incluyendo Warhol y su comitiva de The factory. “Max’s era el lugar donde ‘Pop art’ y ‘Pop life’ se juntaban”, escribió Warhol en POPism.

En su autobiografía, Patti Smith recuerda  como alguna vez Mapplethorpe se preguntaba, ‘Será que el arte nos entendió?’ Ella respondió: “Probablemente si, pero nadie lo lamentara”.

8. Leonard Cohen affaire

‘Una vez llegas al Chelsea, ya no hay vuelta atrás’… dijo Leonard Cohen para explicar su estancia en el Chelsea desde 1966 cuando se muda por primera vez a una pequeña habitación en el quinto piso. Cohen compuso tal vez la mas famosa canción sobre el Chelsea, ‘Chelsea Hotel # 2’ que rememora un encuentro sexual con Janis Joplin en la habitación 104. En la introducción el recuerda como sucedió.

“Había una vez un ascensor en un hotel de Nueva York. Una noche  cerca de las 3 de la mañana me encontré con una mujer en ese hotel. Yo no sabia quien era, resulto ser una cantante muy famosa. Era un día muy sombrío en Nueva York. Fui al Bronco Burger por una hamburguesa, nada cambio. Fui al White Horse Tavern buscando a Dylan Thomas, pero el ya había muerto. Regrese al hotel y allí estaba ella en el ascensor, quien tampoco estaba buscándome. Ella estaba detrás de Kris Kristofferson… “Descansa tu cabeza en la almohada”. Yo no la buscaba a ella, sino a Lily Marlene. Perdónenme por tantos preámbulos. Después me entere que ella era Janis Joplin, terminamos abrazados por culpa de ese divino proceso de eliminación que crea compasión donde solo hay indiferencia, luego ella murió. Escribí esta canción en su homenaje, es llamada ‘The Chelsea Hotel’”

A pesar del titulo la canción Cohen no la escribió en el Chelsea, sino mucho después entre 1971 y 1974. Tampoco parece haber una canción llamada ‘Chelsea Hotel # 1’, sino que existe una versión que difiere ligeramente de la oficialmente grabada.

9. Bob Dylan… y Joan… y Sara … y Edie

Dylan vivió en el Chelsea entre 1961 y 1964. Algunas versiones aseguran que Bob Dylan se mudo al Chelsea para estar cerca de Sara Lowland, pero Dylan al mismo tiempo mantenía un romance con Joan Baez (en foto izquierda), que termino abruptamente, también se rumoro de su relacion platonica con Edie Sedgwick. Finalmente Dylan se caso en secreto con Sara y su primer hijo Jesse nació en el Chelsea donde Dylan solía habitar la suite 211, allí escribió Sara’ un homenaje a su esposa.

I can still hear the sound of the Methodist bells,

I’d taken the cure and had just gotten through

Staying up for days in the Chelsea Hotel

Writing Sad-Eyed Lady of the Lowlands for you’

‘Sara’ de Bob Dylan (1975)

10. ‘Chelsea Girls’ el cine experimental deviene tragicomedia

Andy Warhol solía gastar noches enteras bebiendo Sangría y cenando en ‘El Quixote’, un restaurante español en los bajos del Hotel Chelsea, donde se concentraban muchos de los huéspedes entre ellos Nico, Brigid Berlin y Gerard Malanga, cómplices de Warhol. Una noche Warhol dijo:  “… Se me ocurre la idea de unificar la historia de toda esta gente, conectándolos como si vivieran en diferentes habitaciones del mismo hotel” y así nació ‘Chelsea Girls’ su mas famosa película.

Entre Junio y septiembre de 1966 Warhol rodó 15 segmentos en varias locaciones de Nueva York, sobretodo en el Chelsea y The Factory.  El proceso era muy sencillo, se rodaba una secuencia en 35mm sin parar hasta que la película se terminara. Warhol proponía la tesis que enfocando la cámara en un personaje original algo interesante sucedería. La dirección de Warhol era minima, el solo daba muy sucintas instrucciones a los protagonistas pero lograba obtener reveladoras interpretaciones usando otros artificios, como creando falsos rumores de rivalidad entre ellos para así obtener confesiones y ataques verbales y permitiendo el consumo de drogas y alcohol.  Sin ninguna narrativa o preparación la ejecución era muy simple y poco estudiada, por ejemplo se puede ver a Eric Emerson hablando de su vida mientras hace un strip-tease, Nico cantando con su hijo o Brigid hablando por teléfono. Warhol edito con mucha dificultad los 15 segmentos de media hora, hasta obtener una versión final de 210 minutos, en la cual el segmento de Edie Sedgwick fue suprimido por conflictos entre ella y Warhol.

En 1967, ‘Chelsea Girls’ se exhibió en publico y fue el primer éxito comercial del cine underground pero dividió las criticas entre la prensa. Warhol se defendió diciendo: “Hasta ahora la actitud general hacia lo que hacíamos es que era demasiado ‘artístico’, o ‘camp’, o ‘artificioso’ o sencillamente ‘aburrido’, pero después de ‘Chelsea girls’ palabras como ‘degenerado’ y ‘perturbador’ y ‘homosexual’ y ‘yonqui’ y ‘real’ comenzaron a ser aplicadas a nosotros”.