El glamour de la moda Italiana según el Museo Victoria & Albert

La exhibición ‘The Glamour of Italian Fashion: 1945-2014,’  en el Museo Victoria & Albert de Londres  rinde un homenaje a la extraordinaria contribución que la moda italiana ha hecho al estilo de la cultura contemporánea mediante una espectacular revisión de la moda italiana desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta hoy día.

A través de mas de 100 prendas de moda masculina y femenina de los diseñadores que han construido esa prestigiosa denominación ‘Made in Italy’, se hace evidente que la excepcional calidad de los materiales, una rica tradición de manufactura, elaborados procesos de producción y un particular gusto por la elegancia y estilo han encumbrado la moda italiana del siglo XX al Olimpo del  sartorialismo moderno.

De una manera especial se hace énfasis en el glamour promovido por las celebridades de Hollywood quienes filmaron películas en Italia, como Audrey Herpburn, Ava Gardner y Elizabeth Taylor o el estilo natural de los actores locales principalmente Marcelo Mastroianni.  En las tres grandes salas se pueden ver lujosos vestidos de coctel, zapatos, trajes de verano, muestras de textiles, producidos por los mas reconocidos diseñadores: Emilio Pucci, Salvatore Ferragamo, Valentino, Gucci, Missoni, Prada, Giorgio Armani, Dolce & Gabbana, Gucci,  Fendi, y Versace entre otros.

La exposición también analiza el fenómeno de popularidad de los mismos diseñadores  italianos quienes a la vez se han convertido en celebridades por derecho propio, y han expandido sus dominios mas allá de la creación de moda, creando imperios comerciales a partir de enteras lineas de productos, como perfumes, objetos de decoración, muebles y ropa deportiva.

La exhibición  ‘The Glamour of Italian Fashion: 1945-2014,’  es fundamental para comprender el fenómeno estilístico creado y perpetuado por la industria de la moda italiana, que hoy en día es considerada una de las mas vibrantes, deseadas y celebradas en todo el mundo. De alguna manera uno podría concluir que si la moda italiana no creo el concepto de estilo propiamente dicho, sus diseñadores han logrado convencernos que la moda hecha en Italia ha sido la que mas ha contribuido a cimentar un concepto de estilo y glamour como lo conocemos hoy día.

998_5985Vestido de coctel con capa purpura, de Roberto Capucci, 1957

998_5987Vestido de coctel, satin y chiffon, de Simonetta, 1952

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Abrigo de lana de Valentino, Otoño/Verano 1970 998_5994

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Vestido de coctel, malla y seda,  de Valentino, Otoño/Invierno 2013-14
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Vestido de coctel con brocado de flores, de Giambattista Valli, Otoño/Invierno. 2013-14998_6018 998_6019

Vestido de crepe con cristales, abrigo de lana y zapatos de charol de Miu Miu, Primavera/Verano 2014
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Vestido de coctel con acolchado de Carosa 1958-9998_6050 998_6056

Vestido de coctel de Mila Schon, 1966

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Vestido de coctel  en seda por Roberto Cappucci, 1987

998_6070Vestido de coctel con encajes de Emilio Schuberth, Otoño/Invierno 1952-3

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Tunica y malla de la collecion de playa  con estampado ‘Azteco’ de Emilio Pucci, 1951
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Vestido con mapa de Italia por Moschino couture Primavera/Verano 1991

Texto y Fotos: Ramiro Camelo

The Glamour Of Italian Fashion 1945-2014 

Museo Victoria & Albert, Londres 

Hasta el 27 de Julio. 

Mas información: http://www.vam.ac.uk/

 

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Hollywood Costume, el vestuario de las estrellas

Por primera vez en una extraordinaria exhibición titulada Hollywood Costume el Museo Victoria & Albert de Londres reune una gran colección de iconicos vestidos y atuendos del mundo del cine. ‘Hollywood Costume’ presenta piezas de vestuario de los últimos cien años de la historia del cine, (1912-2012). Desde la época dorada de la comedia muda con Charlie Chaplin hasta la mas recientes super producciones  que  se basan en avanzadas tecnologías de efectos especiales (CGI) como Avatar John Carter of Mars o desde las mágicas zapatillas rojas de Dorothy, conocidas como Ruby slippers, usadas en El mago de Oz hasta la vestuario completo de Darth Vader de La guerra de las galaxias.

La exhibición ha copiado la triptica estructura clásica del guión cinematográfico y por ello se divide en tres galerías o actos, el primero: ‘Deconstrucción’, que intenta colocarnos en los zapatos del diseñador de vestuario quien debe analizar el personaje en el proceso que va desde los bocetos hasta la puesta en escena. El segundo: ‘Dialogo’, examina las colaboraciones entre el equipo de vestuario con los demás equipos de la producción. El ultimo es ‘Finale’, que celebra la apariencia algunos de los mas reconocidos personajes del cine, como el nuevo traje de silicona, fibra de vidrio y nylon de Batman; el vestido negro de Givenchy de Audrey Hepburn en Breakfast at Tyffany’s; Han Solo, de La guerra de las galaxias o el vestido de Marilyn Monroe de La comezón del séptimo año entre muchos.

Otras memorables prendas de vestuario que hacen parte de la exhibición son: El vestido rojo con lentejuelas que Anni Pavlovitch (Joan Crawford) uso en La novia vestía de rojo; El vestido de terciopelo verde de Scarlet O’Hara (Vivien Leigh) de Lo que el viento se llevo; El traje verde de Melanie Daniels (Tippi Hendren) en Los pájaros; El atuendo de Travis Bickle (Robert de Niro) en Taxi Driver; El vestuario completo de Indiana Jones (Harrison Ford) y el vestuario de Jack Sparrow (Johnny Depp) de Piratas del Caribe.

Con sus 130 piezas la exhibición ‘Hollywood costume’ confirma que el vestuario usado por los personajes del celuloide alcanzan de algún modo el status de reproducciones de obras de arte y al mismo tiempo se convierten  en objetos de deseo. Asimismo se nos invita a creer que estos atuendos tienen una vida mas allá de la gran pantalla y de las celebridades que alguna vez los usaron.

 Photo courtesy: ©V&A images

 

Photo courtesy: ©V&A images

 

Photo courtesy: ©V&A images

Vestuario usado por Robert de Niro en El rey de la comedia, Casino y Taxi Driver

 

Vestuario de Legalmente rubia, Cómo perder a un hombre en 10 días, Fiebre del sabado por la noche y Los hermanos caradura.

Vestuario de La gran estafa 

Vestuario de  Merlina y Pugsley de Los locos Addams

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Vestido de Marilyn Monroe de La comezón del séptimo año 

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Vestido de Marilyn Monroe en Una Eva y dos Adanes

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El vestido de Joan Crawford de La novia vestía de rojo

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Vestido de Tippi Hedren en Los pájaros

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Indumentaria de Indiana Jones

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Vestuario de El secreto de la montaña

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Vestido de July Garland en El mago de Oz

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Ruby slippers, de El mago de Oz, por primera vez en la historia estos zapatos  salen de los Estados Unidos para estar exhibidas en publico y tambien para reunirse con el vestido jardinera blanco con cuadros azules de Dorothy.

VIDEO INTRODUCTORIO DE HOLLYWOOD COSTUME  (pulse imagen para abrir nueva ventana en Vimeo)

  • Hollywood Costume, Victoria & Albert Museum, Londres. Hasta el 27 Enero 2013

Fotos y texto: Ramiro Camelo

Objetos de culto: Zapatos muy exclusivos

Una mirada a la tendencia por diseñar zapatos femeninos casi como objetos de arte usando nuevas tecnologías, innovadores materiales y mucha creatividad.   

Mojito de Julian Hakes, 2011 © dezeen

Por Ramiro Camelo

Uno de los espacios mas visitado durante la exhibición de London Fashion Week, -Otoño/invierno 2012- fue el de Julian Hakes. No fue sorpresa que muchos quisiéramos ver de cerca su producto mas cotizado, y además el único que ha creado, un modelo de zapato llamado Mojito, que de cierta manera ha revolucionado el proceso de pensar y crear zapatos. Julian Hakes no es un diseñador de modas, es un curioso arquitecto británico que un día reflexionaba sobre el calzado femenino. El se preguntaba porque los zapatos de tacón alto para mujer necesitaban tener una suela continua, si cuando se mira la huella que dejan, solo se ve la marca de la parte delantera de la suela y el tacón que son los componentes que sostienen el pie.

Hakes utilizo sus conocimientos en diseño de estructuras, física del material, geometría y la última tecnología de software para analizar la ergonomía del pie y finalmente creó un prototipo curvilíneo forjado en una sola pieza. El resultado es muy sensual, el zapato parece abrazar el pie en vez de cubrirlo, a simple vista parece la cascara espiralada de un limón, como las que se usan en para el coctel mojito, de allí su nombre.  En  principio Hakes no considero que su prototipo de zapato tuviera viabilidad, a pesar de esto lo envió a Dezeen, un conocido blog de diseño británico, donde fue publicado como muchos de otros prototipos de productos que nunca pasan al proceso de producción. Casi enseguida Hakes comenzó a recibir atención de la prensa de todo el mundo. El artículo de Dezeen fue republicado y replicado en social media y por ello su nombre apareció en las búsquedas automáticas de Google.

Mojito, Primer prototipo, 2010  y  Mojito en uso © dezeen

Así después de cerca de un año de desarrollo y mejoramiento del primer prototipo (arriba) el Mojito debuto públicamente durante London Fashion Week Primavera/Verano 2011 en dos pasarelas, Ann Sofie Back y Ada Zanditon. Pero desde entonces los zapatos de Hakes no se habían visto en público hasta la semana pasada en London Fashion Week 2012. Allí Hakes revelo mas detalles, por ejemplo los materiales, el modelo esta moldeado en fibra de carbono, lo que le aporta al mismo tiempo flexibilidad y resistencia, cuero en el interior y caucho de alta densidad en el soporte del tacón. También confirmo que Mojito ya está en producción, su lanzamiento es esperado para el próximo verano y estará disponible originalmente en más de 30 puntos de venta alrededor del mundo.

Zaha Hadid para Lacoste, 2009

Como producto Mojito es el resultado de utilizar además de una visionaria intuición, la tecnología de software y nuevos materiales usados para diseñar aviones y automóviles de alta gama. Tal vez su mayor atractivo es que esta moldeado en una sola pieza, su banda en espiral es una metáfora visual de movimiento ondulatorio. La sencillez del Mojito rebosa un elegante minimalismo que poca veces se ve en un accesorio de moda. Este concepto de espiral fue similarmente utilizado por Zaha Hadid en una línea de zapatos para la marca Lacoste. (izq.) Hadid que es una arquitecto reconocida por su revolucionario manejo de la formas y quien ya había creado una línea de calzado para la marca Melissa. Pero en su colaboración con Lacoste va mucho mas lejos, Hadid creo un zapato que responde a la ergonomía del pie de manera automática. La estructura interna construida en acero ha sido recubierta de cuero que ha sido grabado con una textura ondulante mediante un proceso de laser.  El modelo tiene un sistema de cierre al final, -cerca a la rodilla-  que se asegura con un elaborado sistema de clip inteligente, adaptable a discreción del usuario. La idea de un zapato formado por una sola pieza de material ha sido recurrente recientemente. Hace unos años la diseñadora holandesa Marloes ten Bhömer presentó Beigefoldedshoe (Abajo) un zapato producido en una sola pieza de cuero envuelta sobre un esqueleto de acero. Estos zapatos que se han tomado un largo proceso de estudio y desarrollo son fabricados en ediciones limitadas que cuestan £2.250 y a pesar de su inusual estilo al parecer son más cómodos que modelos tradicionales. 

Beigefoldedshoe de Marloes Ten Bhömer, 2009  © Marloes ten Bhömer

Bhömeres quizás  una de las diseñadoras que mas ha experimentado con el concepto de forma, función, materiales y manufactura en el calzado femenino contemporáneo hasta crear modelos que desafían toda las pre-concepciones de como un zapato debe ser. Por ejemplo, para el modelo Noheelsshoes, (Abajo) -unos zapatos moldeados en poliuretano-, ella explica que ‘Intentó producir un zapato que no tuviera ninguna muestra de ser hecho por manos humanas, incluso eliminando el tacón para evadir la idea que se tiene de un zapato.’ 

Noheelsshoes de Marloes ten Bhömer, 2008 © Marloes ten Bhömer

Bhömer comenzó produciendo sus prototipos con tecnologías de impresión en 3D, que permite crear modelos en tres dimensiones en muy corto tiempo a partir de adicionar capas de plásticos, sintéticos o resinas-. Sin embargo a pesar de las ventajas de ese proceso, como incluir diferentes materiales en un mismo prototipo, considera que esa técnica resulta todavía una posibilidad muy costosa para producir muestras. Hoy en día, -para evitar el uso de grandes compañías que solo producen grandes cantidades- ella mezcla modelos virtuales de computador con 3D para crear ediciones limitadas destinadas a la comercialización. El avance de la tecnología de impresión en 3D, ha sido un desarrollo fundamental para fundir pruebas de piezas en el campo del diseño. En la moda el uso de la impresión en 3D ha sido utilizada con excelentes resultados, por ejemplo Naim Josefi y Souzan Youssouf, estudiantes de Beckmans una afamada facultad de diseño de Estocolmo, crearon digitalmente su modelo de zapatos Melonia (abajo) y luego cinco pares fueron modelados a través del proceso de sinteración selectiva por láser por la compania Materialise de Belgica.

Melonia de Naim Josefi y Souzan Youssouf, 2010 © Materialise

Los zapatos Melonia de esquelética estructura fueron usados en una colección de la facultad de moda de Beckmans durante la feria de moda de Estocolmo 2010.  Despues del evento, el Melonia fue acreditado como el primer zapatos producido en 3D que es completamente funcional. Asimismo, su originalidad lo hizo merecedor de una  nominación al BRIT Insurance Prize 2011 del Museo del diseño de Londres. Otro interesante ejemplo de impresión en 3D, o prototipo rápido como también se le conoce, en el diseño de zapatos fue presentado recientemente en la exhibición Send to Print / Print to Send de la galería Londinense Aram. Allí la talentosa diseñadora Chau Har Lee presento su modelo Rapidform, moldeado en 3D a partir de resinas. Har Lee afirmó que Rapidform a pesar de ser solo un modelo para exhibición ha sido creado con el objetivo de adornar el pie y podría ser mejorado hasta convertirse en un modelo completamente funcional.

Rapidform de Chau Har Lee, 2012

Julian Hakes el creador de Mojito confeso que cuando afronto el desafío de concebir su prototipo asumió ese proceso creativo de manera similar a la de diseñar un puente. Una analogía que también fue el comienzo de la colección concebida por Tea Petrovic, una estudiante de la academia de artes de Sarajevo. Petrovic considero que cada zapato debería responder a la idea de una estructura arquitectónica escultural y para ello se declaró influenciada por la arquitectura de Naum Gabo y Santiago Calatrava. En su premisa Petrovic menciona también a Bernard Figueroa, un diseñador francés, quien afirma: ‘Hay mucho espacio para usar entre el tobillo de una mujer y el suelo’. De allí que ella decidiera utilizar este espacio al máximo.

Serie  Construcciones lineares de Tea Petrovic, 2010

Serie Zapatos arquitectonicos de Tea Petrovic, 2010

Petrovic construyó una serie de prototipos totalmente a mano en los cuales los tacones actúan como las columnas constructivas donde descansa su proceso creativo: expresado mediante rotaciones, intersecciones y variaciones de formas, planos y curvas, las tensiones y soportes son ayudadas por alambres, un aspecto similar a la visualidad de la arquitectura de Calatrava. Con sus modelos Petrovic intenta repensar el concepto de diseño de calzado de tacón, al menos en teoría, porque ella es consciente que sus modelos son sobre todo objetos de arte y su funcionalidad es un aspecto secundario.

Es evidente que hoy en día para muchos creativos el diseño de calzado se posiciona como una de las ‘nuevas bellas artes’. De alguna manera estos creadores han marcando una tendencia muy específica por crear piezas enfocadas particularmente en el concepto estético y en la experimentación con los procesos de manufactura y los componentes, la funcionalidad y el comfort de estos productos serán juzgados por los usuarios. Probablemente, en el futuro algunas de estas piezas puedan alcanzar el status de iconos de diseño o ser objetos de culto y colección.

Especial para el blog de Artefacto por Ramiro Camelo

Mas Información:

Tocala otra vez Sam: el arte del ‘remake’, reinterpretación y parodia

Tim Dowling de ‘The Guardian’ hace el remake del ‘autoretraro de Van Gogh con oreja vendada’

Por Ramiro Camelo

Vivimos en una época donde el remake se ha convertido una nueva forma de arte, principalmente en la industria del cine que a falta de ideas ha acudido a remakes y secuelas para seducir al publico. Por otro lado muy frecuentemente se ha dicho que ‘la copia es la mejor forma de adulación’ para justificar el acto de robo creativo y la copia. Pero hay una gran diferencia entre solo copiar y reintrepretar, definitivamente recrear cualquier obra de arte es una forma de aproximación para analizarla de una manera diferente.

El auge del esa fiebre del remake esta ligado a la diseminación casi instantánea que ofrecen los canales de distribución del Internet, ya sean blogs, redes sociales y a los sitios de compartir video y fotografía. Muy frecuentemente los comentaristas de la cultura digital hacemos eco de nuevas formas de reinterpretación de obras de arte, ya sea usando bloques de Lego, como lo realizan John Cake & Darren Neave; con la muñeca Barbie; con la comida del día según el projecto ‘Sandwich artist’, hasta las recreaciones de viejas fotos del álbum familiar, o los homenajes a iconos de los juegos de video con notas de post-it.

Recientemente una de estas tendencias de reinterpretación capto la atención de la web. La compañía de software Adobe invitó a estudiantes del Reino Unido a recrear obras de arte clásicas. El reto de Remake, como la competición fue titulada, era recrear obras de arte fotográficamente con mucha creatividad pero sin utilizar software digital de foto edicion, por ejemplo Photoshop, Paint shop o similares. Las entradas fueron difundidas públicamente en el website http://www.booooooom.com. A continuación hemos escogido una selección de las recreaciones enviadas a esa competencia.

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El arte del remake como video-clip: ’70 million’ de Hold your horses

La guerra del Post-it

Varios reportes recientes originados en París han dado a conocer la mas reciente y curiosa guerra que se libra en las oficinas parisinas y que ha sido bautizada La guerre des Post-it. Aparentemente esta guerra comenzo en el este de la capital francesa cuando los aburridos empleados de Ubisoft Montreuil, -una compañia creadora de software para video juegos-, se dedicaron a recrear con Post-it en las ventanas las imágenes pixeladas de sus caracteres favoritos de video juegos tales como Super Mario Bros, Space Invaders, Pacman, etc.

Días despues los empleados del banco BNP, ubicado al frente de Ubisoft, decidieron hacer sus propios collages y los empleados de Ubisoft vieron esa respuesta como un reto y respondieron con muchos mas figuras. Al poco tiempo empleados de otras compañias como Expedia, DreamBox Learning, Apptio, Coca-Cola y Waggener Edstrom, entre otras se unieron para retar a sus vecinos y la guerra se extendió por todo París,

Hoy en día la la guerra del Post-it se libra en muchas ciudades francesas. Asimismo, reportes alrededor del mundo indican que las ‘hostilidades’ también comienzan a verse en otras ciudades como Londres, Berlin, Bruselas, Seattle y Sidney.

Vista de las oficinas de Ubisoft

Otra vista de oficinas de Ubisoft

Rana del video juego "Frogger"

Bowser del Super Mario Bross

Piolin

Pacman

Homero Simpson

Marilyn after Warhol

Obelix

Tintin en una oficina de Bruselas


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El discreto encanto de lo retro… View master; Intellivision; Frisbee…

Por Ramiro Camelo

Un amigo que tiene un Ipad me comentaba hace unos días que después de ver a Steve Jobs anunciando el fantástico Ipad 2, (mas liviano, mas rápido, mas delgado, doble cámara, batería mas durable, etc.) ya no podía ver su adorado Ipad con los mimos ojos. Esa envidia es lo que se conoce como “el complejo del Appleinomano” y esa degeneración no tiene cura.

Para mitigar la amargura de mi amigo por no poder tener el Ipad 2, (todavía) yo sonreía recordando aquellos tiempos en que los nuevos productos solo cambiaban de color, o eventualmente alguna nueva mejora que no era fundamental. Como cuando el walkman de Sony cambio el dial radial de análogo a digital y con memorias, no muchos cambiamos a los nuevos modelos; suponíamos que los diales digitales agotaban cerca de un quinto la vida útil de las baterías. Durante ese ejercicio nostálgico de lo retro recordamos algunas otros artefactos con los que nos entreteníamos por allá por los 70’s y 80’s, seguramente que muchos otros podrán recordar …

El view master

La primera vez que experimentamos la maravilla del 3D sin tener que usar las estupidas gafas de hoy. El view master es un clásico del siglo XX, y aun hoy Fisher Price sigue produciendo discos con las nuevas historias como Toy Story; Cars  y las antiguas: Mickey; Bambi, etc.  En 1999 el viewmaster fue introducido al Salón Americano de la Fama de los juguetes, un honor muy merecido.

La consola Intellivision

Después de gastar cantidades horrorosas de dinero aprendiendo a jugar video juegos de galería como Defender; Pac-man; Donkey Kong; Marcianitos (space invaders) a comienzos de los 80’s Nuestros padres se convencieron  que lo mejor era comprar una consola de video juegos casera. Así nosotros ganamos un Intellivision ellos perdieron un aparato de televisión.

Las consolas Intellevision producidas por Mattel prometían ser los mejor de lo mejor, pero a pesar de ser casi el doble en tamaño de las de Atari, las Intellivision no tenían teclado. También juegos como Béisbol y Hamburguesas eran aburridos en comparación con los juegos de galería Intellivision rápidamente perdió la batalla con la competencia de Atari.

Para los mas nostálgicos hay que decir que varios retro juegos de Intellivision están disponible en aplicaciones para Ipad; iphone; Nintendo DS y Xbox

El Frisbee

Originalmente llamado Pluto platter por su creador Frederick Morrison, el plato volador ya era popular en las universidades americanas desde los años 50’s, especialmente por los estudiantes de Yale.  En 1957 Morrison vendió los derechos a la compañía Wham-O quien lo relanzo con el nombre Frisbee. En 1975, Stancil Johnson publica la ‘biblia’ del Frisbee, FRISBEE: A Practitioners Manual & Definitive Treatise’.

Finalmente en algún momento entre 1978-79 hubo una gran fiebre de Frisbee en todo el mundo, en cada una de nuestras casas había al menos uno Frisbee. Pero lo imposible era lograr que nuestros perros lo atraparan en el aire.

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Cubo mágico y flip flash de Silvania

No siempre las cámaras fotográficas compactas han tenido flashes integrados como los conocemos hoy. Las primeras cámaras Instamatic de Kodak usaban flashes individuales desechables. Luego a principios de los 70’s apareció el cubo mágico (Magicub) de Silvania.  Lo mágico del cubo era que no necesitaba baterías para funcionar; el disparo se activaba mecánicamente y la luz era de tipo pirotécnico. La otra variedad era el flip flash, una columna de 10 flashes, 5 de cada lado, que debía rotarse al usar el primer lado, de allí el nombre de flip.

El Cartucho de 8 pistas

Antes del walkman y el casette compacto la música portátil se llevaba a todas partes con el cartucho de 8 pistas. El modelo muy popular de Panasonic (foto izq.) semejaba un detonador de explosivos, se le llamaba popularmente ‘Dinamita’, su lema publicitario decía: “Parece un detonador, suena como dinamita”. El reproductor no era automático, había que empujar la manija para cambiar de pista. En algún momento todos los automóviles de la Ford, la GM venían con reproductor de 8 pistas pre-instalado. Para tener una idea de la época de este boom, hay que recordar que la banda sonora mas vendida en 8 pistas fue “Fiebre del sábado por la noche”.

La televisión infantil

‘Show’n tell’, o  ‘Showtele’ como la llamábamos, era uno de nuestros juguetes preferidos de la época produciendo  imagen y sonido al alcance de nuestras manos. El tocadiscos funcionaba para 33 y 45 revoluciones, las diapositivas eran películas de 16 mm. Claramente recuerdo que en nuestro Showtele vimos Plaza Sésamo, antes que en la televisión real… ‘El mago de Oz’ fue mi película preferida.

Batalla naval de Milton Bradley

También llamado La guerra de barcos. Un juego de estrategia que ha sido disfrutado por muchas generaciones. La flotilla consistía en portaviones; acorazados; cruceros; submarino y destructores. La misión consistia en disparar misiles, usando coordenadas, para destruir la flota del contrincante. Milton Bradley, ahora parte de Hasbro, no produce la versión de mesa, solo una electrónica llamada  “New Naval Battleship”, pero esta no es tan divertida como la tradicional pensamos algunos.


El tesoro de la juventud

Sin lugar a dudas la publicación mas amada para varias generaciones. En sus paginas descubrimos lo maravilloso que era el saber y la lectura de entretenimiento. Subtitulada como “Enciclopedia de conocimientos” Fue la traducción y adaptación hispano-americana de The children’s encyclopaedia cuya primera edición apareció en 1915 y dio origen a diversas reimpresiones a lo largo del siglo. El tesoro de la Juventud consistía en 20 tomos divididos en varias secciones, las ilustraciones en color y blanco y negro eran grabados de altísima calidad estética, graficas que solíamos copiar para colorear.

Lamentablemente El tesoro no existía en nuestra casa, solo lo podía leer en la biblioteca escolar. Cuando en el libro “Cosas que debemos saber’ leí que los gatos tienen 5 garras en las patas delanteras, pero solo 4 en las traseras, espere ansioso para volver a casa y buscar a nuestro gato para comprobarlo, era cierto! Y en la cena familiar comunique “mi descubrimiento” a resto de la familia… nadie lo sabia, hasta entonces. Después de leer ‘El libro de los porque’, todos queríamos ser científicos. En sus paginas fui seducido por historias como “La isla del tesoro”; ‘El conde de Montecristo”; ‘Guillermo Tell’ y “las mil y una noche”, adaptadas para jóvenes lectores en el tomo “Historias de los libros celebres”… o era tal vez en “El libro de las narraciones interesantes”…

El escritor colombiano Daniel Samper ha elogiado con toda razón a el Tesoro de la juventud, como esa enciclopedia que marcó una generación.  El ‘Tesoro de la Juventud’ o la enciclopedia que marcó a una generación 
Por Daniel Samper Pizano.

Si desean leer algunos capítulos de El Tesoro de la Juventud visiten el Blog homónimo de Daniel Contarelli

Los “Most wanted” (DiCaprio, Pattison, Efron, Timberlake…) en la White Cube Gallery

Por Ramiro Camelo

Arte y celebridades nunca han estados mas unidos que estos días de ‘Disneyficacion’ de la cultura. La nueva exhibición del artista neoyorquino Richard Phillips titulada, ‘Most wanted’ en la galería White Cube de Londres celebra una vez mas el culto de la celebridad. Philips ha seleccionado 10 de las mas populares figuras de el cine, la televisión y la música para realizar sus retratos al óleo con la pose que el ha llamado ‘la estudiada sonrisa del tapete rojo’. Las celebridades escogidas o Most wanted son: Chace Crawford, Kristen Stewart, Zac Efron, Miley Cyrus, Taylor Momsen, Dakota Fanning, Leonardo DiCaprio, Justin Timberlake, Taylor Swift y Robert Pattinson.

En los inmensos retratos de mas de dos metros de altura cada uno de ellos aparece respaldado por los reconocidos logos de las grandes casas de moda y estilo que suelen patrocinar los eventos y premiaciones, por ejemplo; Gucci, Versace, Channel, YSL, Givenchy, Calvin Klein e incluso Unicef. Asimismo sus figuras están envueltas en multicolores halos, lo que Phillips reconoce como una influencia de las icónicas ilustraciones de Richard Bernstein para la revista Interview. Pero de las misma manera estos halos promueven la idea de que estas celebridades hacen parte de ese nuevo santoral de dioses y diosas comercializados por nuestra permisiva cultura de la celebridad. Allí en la galería, de alguna manera esas bellas rostros con sus portentosas presencias parecen apabullarnos con sus inquisitivas miradas.


Richard Phillips ‘Most wanted’

White Cube Gallery , Londres  (Hasta el 5 de marzo)

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