El pabellón de la galería Serpentine del 2014 por Smiljan Radić

Por Ramiro Camelo

El pabellón de verano de la galería Serpentine del 2014 es diseñado por el arquitecto chileno Smiljan Radić, -el segundo arquitecto latinoamericano después de Oscar Niemeyer- La estructura un tanto experimental hecha de fibra de vidrio semeja un frágil capullo traslucido de textura rugosa, similar al acabado del papel mache y esta sostenida por grandes piedras que le dan la impresión de flotar en el aire. El centro del pabellón es abierto a la luz y una gran piedra descansa en el centro, al pabellón se puede acceder por dos rampas ubicadas hacia el este y oeste.

Radić declaró que la estructura del pabellón es alusiva los ‘follies’ del pasado, esas estructuras románticas que fueron construidas en los parques y que hoy remiten a la idea de ruinas que han sido olvidadas pero sobreviven como espacios fantásticos y arcaicos. “La idea era que luciría como si fuera hecho por las manos de un gigante”.  El proyecto comenzó como un modelo de papel mache, tiras de papel se fueron añadiendo sobre una bola de caucho y después se separo del molde para dar lugar a una especia de cueva ondulada. “Yo no tengo finos movimientos en mis manos, yo prefiero cortar y destruir mas que crear cosas, no soy un creador, entonces mi método es encontrar diferentes posibilidades de las formas y las uso a la medida que las descubro.” 

Radić asumió el reto de pensar el pabellón como una posibilidad muy especial de plantear una nueva relación con sus visitantes. Mencionó como era importante que el espacio reflejara una relación con el clima y el paisaje aledaño, -eso puede explicar los extraños cortes y aberturas que juegan con el concepto de lo externo e interno, de estar adentro pero de alguna manera estar afuera también.  Una de las premisas era recrear una sensación espacial de transitoriedad que no es fácil experimentar a diario.

El pabellón de la galería Serpentine de Radić podría ser recordado como el mas experimental de todos los que se hayan visto, tanto por el uso de material como por su original aproximación a forma y concepto. Radić ha creado un pabellón que gravita en opuestos; luce simultáneamente futurista y prehistórico; aparentemente pesado pero es leve, desde algunas partes de ver hermético pero es muy abierto. En conclusión, una brillante metáfora arquitectónica de la materialidad donde de alguna forma ‘lo crudo’ se encuentra con ‘lo cocido’.

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El arquitecto Smiljan Radić

Fotos y Texto Ramiro Camelo

SERPENTINE PAVILION 2014 

Galería Serpentine en Hyde Park

Abierto diario hasta el 19 de Octubre de 2014.

“The future is here: A new industrial revolution” en el Design Museum

Por: Ramiro Camelo

“The future is here: A new industrial revolution” es una nueva exhibición del Design Museum de Londres dedicada a las mas recientes innovaciones en diseño y manufactura de productos ejemplificada por tecnologías como impresiones en 3D, materiales híbridos y reciclados, nanotecnologías,  productos diseñados por los usuarios en internet y procesos de creación colectiva. ‘The future is here’ también pretende evidenciar que las convencionales ideas sobre financiación, distribución y comercialización de mercancías están siendo revaluadas.

Hoy en día debido a una tendencia del ‘hackeo’  que redistribuye digitalmente diseños y modelos DIY facilmente adaptables los límites entre diseñador, fabricante y consumidor están siendo renegociados. A través de los objetos en exhibición se puede visualizar que estas novísimas tendencias creativas aumentan la productividad y a su vez el crecimiento económico de las industrias creativas. El Design Museum considera que esta nueva ‘revolución industrial’,  acelera nuestra idea de progreso generado por nuevas tecnologías.

‘The future is here’ evidencia que estas nuevas tecnologías de producción y comercialización  son una promesa cumplida del aquí y ahora.  También que por el hecho de estar mucho mas ligadas al consumidor final seguirán expandiéndose hasta llegar a ocupar todas las áreas de la vida cotidiana.

Vista general de la exhibición

Vista general de la exhibición

Unto this last' Línea de muebles hechos y adaptados a la medida de cada usuario.

‘Unto this last’ Línea de muebles hechos y adaptados a la medida de cada usuario

Mi Adidas, muestra de la versión 'Superstar' y 'Nitrocharge' que pueden ser completamente personalizados online por el usuario

Mi Adidas, muestra de la versión ‘Superstar’ y ‘Nitrocharge’ que pueden ser completamente personalizados online por el usuario

'Chubby chair' y 'Flow open rocking chair' (the endless process) diseñada por Dirk Vander Kooij, cada silla es fabricada en plástico reciclado en un único fundido

‘Chubby chair’ y ‘Flow open rocking chair’ (the endless process) diseñada por Dirk Vander Kooij, cada silla es fabricada en plástico reciclado en un único fundido

Diversos objetos decorativos hechos por UCODO, (User CODesign Objet) y Assa Ashuach

Diversos objetos decorativos hechos por UCODO, (User CODesign Objet) y Assa Ashuach

Brazos robóticos de Kuka Robotics -Agilus series-, estos robots son los mas sencillos de programar y mantener que existen hoy en día

Brazos robóticos de Kuka Robotics -Agilus series-, estos robots son los mas sencillos de programar y mantener que existen hoy en día

'DO task chair' de orangebox es aparentemente la silla de oficina mas versatil, facil de armar y usar con piezas que además son reusables

‘DO task chair’ de orangebox es aparentemente la silla de oficina mas versatil, facil de armar y usar con piezas que además son reusables

'Frosta Z' (Perchero) y 'Draisienne' (Bicicleta) son dos objetos que han sido 'hackeados' por  Andreas Bhend usando elementos de la butaca Frosta de IKEA

‘Frosta Z’ (Perchero) y ‘Draisienne’ (Bicicleta) son dos objetos que han sido ‘hackeados’ por Andreas Bhend usando elementos de la butaca Frosta de IKEA

'Optimist toaster', es un tostador fundido en puro aluminio que por su robustez promete durar para siempre. Sin embargo esta  puede ser fundido una vez es inservible

‘Optimist toaster’, es un tostador fundido en puro aluminio que por su robustez promete durar para siempre. Sin embargo esta puede ser fundido una vez es inservible

Gafas de primavera para pq eyewear por Ron Arad. Gafas moldeadas solo con un plástico muy flexible, no necesitan tornillos ni bisagras.

Gafas de primavera para pq eyewear por Ron Arad. Gafas moldeadas solo con un plástico muy flexible, no necesita tornillos ni bisagras.

Diversos objetos producidos en impresoras 3D

Diversos objetos producidos en impresoras 3D

'Floreros saltarines' por Ron Arad, de la serie 'Not made by hand, not made in China'. ejemplos de unos de los primeros productos comerciales hechos en 3D print.

‘Floreros saltarines’ por Ron Arad, de la serie ‘Not made by hand, not made in China’. ejemplos de unos de los primeros productos comerciales hechos en 3D print

Wiki house' por 00:/, Espain & Momentun Engineering es un proyecto de casa creada como 'open source' disponible gratis en internet. Cualquier persona con poca experiencia puede construirla sin usar tornillos

Wiki house’ por 00:/, Espain & Momentun Engineering es un proyecto de casa creada como ‘open source’ disponible gratis en internet. Cualquier persona con poca experiencia puede construirla sin usar tornillos

Chasis del 'Modelo S' de Tesla Motors, el carro eléctrico mas avanzado construido hasta hoy

Chasis del ‘Modelo S’ de Tesla Motors, el carro eléctrico mas avanzado construido hasta hoy

‘The Future is Here: A New Industrial Revolution’
Design Museum  
Shad Thames SE1
Hasta el  29 de Octubre.
Entrada £11.75 (descuentos disponibles)
Mas información http://designmuseum.org/ 

Objetos de Culto: Automóviles de la colección de arte BMW (1975-2010)

Por Ramiro Camelo

ART DRIVE! BMW art car collection es una exhibición organizada por ICA, -The Institute of Contemporary Art- que presenta por primera vez en Londres los automóviles de la casa  automotriz BMW intervenidos por artistas y considerados ediciones unicas. La locación de la exhibición no podría ser mas atinada, un parqueadero de varios pisos en Shoreditch, una de las áreas mas vibrantes de la ciudad.

Esta colección de automóviles se inicio cuando del automovilista frances Hervé Poulain en 1973 propuso al artista Alexander Calder a realizar un diseño para ser pintado sobre un auto de carreras. Poulain invitó a Calder usar el exterior del automóvil como lienzo que pudiera igualar ‘la excelencia artística de un objeto que ya era perfecto’ Calder, quien era ya un artista muy famoso por sus esculturas móviles, inmediatemente aceptó la propuesta. El año siguiente Poulain negoció con la compañia BMW uno de lus modelos 3.0 CSL para este ‘experimento’. Calder realizó su diseño sobre un modelo a escala 1:5 de ese automóvil. Luego en Munich en la factoría de la BMW el diseño de Calder fue transferido al automóvil real, que sería conducido por Poulain en las 24 horas de Le Mans de 1975. Sin embargo antes de ese reto deportivo el BMW ‘pintado’ por Calder fue elevado al status de obra de arte al ser exhibido en el  Musée des Arts Décoratifs, (Museo de las Artes Decorativas) de Paris bajo el techo del Museo de Louvre y en Haus der Kunst de Munich. Una vez en Le Mans en Junio de 1975 el BMW de Calder se robo el show incluso antes de que la carrera comenzara, era un carro visualmente exótico en comparación con los demás modelos atiborrados con logos comerciales. Poulain no tuvo mucha suerte en Le Mans por problemas mecánicos se retiro solo una hora después de la partida. Para ese automóvil fue el final de una competencia pero el comienzo de un futuro como objeto de arte. Para Calder fue uno de sus últimos proyectos murió en 1976.

Debido al éxito publicitario de Le Mans 1975, la BMW prosiguió con la original idea de Poulain. En 1976 se invito a Frank Stella y desde entonces otros 14 artistas que han sido invitados a disenar diferentes modelos de la BMW: Sandro Chia, Ken Done, Ernst Fuchs, David Hockney, Jenny Holzer, Matazo Kayama, Jeff Koons, Roy Lichtenstein, Esher Mahlangu, Cesar Manrique, M.J Nelson, A.R Penck, Robert Rauschenberg y Andy Warhol, quien curiosamente ha sido el único artista en pintar el auto con sus propias manos usando brochas y en un tiempo record de media hora. Muchos de estos automoviles han participado en carreras de duración, otros son solo objetos para exhibición y publicidad, ciertamente son testimonio del compromiso de la BMW con el arte. Según palabras de Thomas Girst, -director de Proyectos culturales del grupo BMW- “Estas 16 ‘esculturas rodantes’ serán elementos de fascinación para todos los fanáticos del arte, diseño y los autos.”

Alexander Calder art car, 1975

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Jenny Holzer art car, 1999

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Cesar Manrique art car, 1990

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Frank Stella art car, 1976

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Matazo Kayama art car 1990

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Andy Warhol art car, 1979

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Robert Rauschenberg art car, 1986

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Roy Lichtenstein art car, 1979

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Michael Jagamara Nelson art car, 1989

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Ken Done art car, 1989

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Esther Mahlangu art car, 1991

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David Hockney art car, 1995

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A. R. Penck art car, 1991

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Sandro Chia art car, 1992

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Ernst Fuchs art car,1982

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Jeff Koons art car, 2010

ART DRIVE! the BMW art car collection

Hasta el 4 de Agosto, (Todos los dias 12-9pm ENTRADA GRATIS)

NCP car park 35 Great Eastern Street EC2 3ER  Mapa

Objetos de culto: Zapatos muy exclusivos

Una mirada a la tendencia por diseñar zapatos femeninos casi como objetos de arte usando nuevas tecnologías, innovadores materiales y mucha creatividad.   

Mojito de Julian Hakes, 2011 © dezeen

Por Ramiro Camelo

Uno de los espacios mas visitado durante la exhibición de London Fashion Week, -Otoño/invierno 2012- fue el de Julian Hakes. No fue sorpresa que muchos quisiéramos ver de cerca su producto mas cotizado, y además el único que ha creado, un modelo de zapato llamado Mojito, que de cierta manera ha revolucionado el proceso de pensar y crear zapatos. Julian Hakes no es un diseñador de modas, es un curioso arquitecto británico que un día reflexionaba sobre el calzado femenino. El se preguntaba porque los zapatos de tacón alto para mujer necesitaban tener una suela continua, si cuando se mira la huella que dejan, solo se ve la marca de la parte delantera de la suela y el tacón que son los componentes que sostienen el pie.

Hakes utilizo sus conocimientos en diseño de estructuras, física del material, geometría y la última tecnología de software para analizar la ergonomía del pie y finalmente creó un prototipo curvilíneo forjado en una sola pieza. El resultado es muy sensual, el zapato parece abrazar el pie en vez de cubrirlo, a simple vista parece la cascara espiralada de un limón, como las que se usan en para el coctel mojito, de allí su nombre.  En  principio Hakes no considero que su prototipo de zapato tuviera viabilidad, a pesar de esto lo envió a Dezeen, un conocido blog de diseño británico, donde fue publicado como muchos de otros prototipos de productos que nunca pasan al proceso de producción. Casi enseguida Hakes comenzó a recibir atención de la prensa de todo el mundo. El artículo de Dezeen fue republicado y replicado en social media y por ello su nombre apareció en las búsquedas automáticas de Google.

Mojito, Primer prototipo, 2010  y  Mojito en uso © dezeen

Así después de cerca de un año de desarrollo y mejoramiento del primer prototipo (arriba) el Mojito debuto públicamente durante London Fashion Week Primavera/Verano 2011 en dos pasarelas, Ann Sofie Back y Ada Zanditon. Pero desde entonces los zapatos de Hakes no se habían visto en público hasta la semana pasada en London Fashion Week 2012. Allí Hakes revelo mas detalles, por ejemplo los materiales, el modelo esta moldeado en fibra de carbono, lo que le aporta al mismo tiempo flexibilidad y resistencia, cuero en el interior y caucho de alta densidad en el soporte del tacón. También confirmo que Mojito ya está en producción, su lanzamiento es esperado para el próximo verano y estará disponible originalmente en más de 30 puntos de venta alrededor del mundo.

Zaha Hadid para Lacoste, 2009

Como producto Mojito es el resultado de utilizar además de una visionaria intuición, la tecnología de software y nuevos materiales usados para diseñar aviones y automóviles de alta gama. Tal vez su mayor atractivo es que esta moldeado en una sola pieza, su banda en espiral es una metáfora visual de movimiento ondulatorio. La sencillez del Mojito rebosa un elegante minimalismo que poca veces se ve en un accesorio de moda. Este concepto de espiral fue similarmente utilizado por Zaha Hadid en una línea de zapatos para la marca Lacoste. (izq.) Hadid que es una arquitecto reconocida por su revolucionario manejo de la formas y quien ya había creado una línea de calzado para la marca Melissa. Pero en su colaboración con Lacoste va mucho mas lejos, Hadid creo un zapato que responde a la ergonomía del pie de manera automática. La estructura interna construida en acero ha sido recubierta de cuero que ha sido grabado con una textura ondulante mediante un proceso de laser.  El modelo tiene un sistema de cierre al final, -cerca a la rodilla-  que se asegura con un elaborado sistema de clip inteligente, adaptable a discreción del usuario. La idea de un zapato formado por una sola pieza de material ha sido recurrente recientemente. Hace unos años la diseñadora holandesa Marloes ten Bhömer presentó Beigefoldedshoe (Abajo) un zapato producido en una sola pieza de cuero envuelta sobre un esqueleto de acero. Estos zapatos que se han tomado un largo proceso de estudio y desarrollo son fabricados en ediciones limitadas que cuestan £2.250 y a pesar de su inusual estilo al parecer son más cómodos que modelos tradicionales. 

Beigefoldedshoe de Marloes Ten Bhömer, 2009  © Marloes ten Bhömer

Bhömeres quizás  una de las diseñadoras que mas ha experimentado con el concepto de forma, función, materiales y manufactura en el calzado femenino contemporáneo hasta crear modelos que desafían toda las pre-concepciones de como un zapato debe ser. Por ejemplo, para el modelo Noheelsshoes, (Abajo) -unos zapatos moldeados en poliuretano-, ella explica que ‘Intentó producir un zapato que no tuviera ninguna muestra de ser hecho por manos humanas, incluso eliminando el tacón para evadir la idea que se tiene de un zapato.’ 

Noheelsshoes de Marloes ten Bhömer, 2008 © Marloes ten Bhömer

Bhömer comenzó produciendo sus prototipos con tecnologías de impresión en 3D, que permite crear modelos en tres dimensiones en muy corto tiempo a partir de adicionar capas de plásticos, sintéticos o resinas-. Sin embargo a pesar de las ventajas de ese proceso, como incluir diferentes materiales en un mismo prototipo, considera que esa técnica resulta todavía una posibilidad muy costosa para producir muestras. Hoy en día, -para evitar el uso de grandes compañías que solo producen grandes cantidades- ella mezcla modelos virtuales de computador con 3D para crear ediciones limitadas destinadas a la comercialización. El avance de la tecnología de impresión en 3D, ha sido un desarrollo fundamental para fundir pruebas de piezas en el campo del diseño. En la moda el uso de la impresión en 3D ha sido utilizada con excelentes resultados, por ejemplo Naim Josefi y Souzan Youssouf, estudiantes de Beckmans una afamada facultad de diseño de Estocolmo, crearon digitalmente su modelo de zapatos Melonia (abajo) y luego cinco pares fueron modelados a través del proceso de sinteración selectiva por láser por la compania Materialise de Belgica.

Melonia de Naim Josefi y Souzan Youssouf, 2010 © Materialise

Los zapatos Melonia de esquelética estructura fueron usados en una colección de la facultad de moda de Beckmans durante la feria de moda de Estocolmo 2010.  Despues del evento, el Melonia fue acreditado como el primer zapatos producido en 3D que es completamente funcional. Asimismo, su originalidad lo hizo merecedor de una  nominación al BRIT Insurance Prize 2011 del Museo del diseño de Londres. Otro interesante ejemplo de impresión en 3D, o prototipo rápido como también se le conoce, en el diseño de zapatos fue presentado recientemente en la exhibición Send to Print / Print to Send de la galería Londinense Aram. Allí la talentosa diseñadora Chau Har Lee presento su modelo Rapidform, moldeado en 3D a partir de resinas. Har Lee afirmó que Rapidform a pesar de ser solo un modelo para exhibición ha sido creado con el objetivo de adornar el pie y podría ser mejorado hasta convertirse en un modelo completamente funcional.

Rapidform de Chau Har Lee, 2012

Julian Hakes el creador de Mojito confeso que cuando afronto el desafío de concebir su prototipo asumió ese proceso creativo de manera similar a la de diseñar un puente. Una analogía que también fue el comienzo de la colección concebida por Tea Petrovic, una estudiante de la academia de artes de Sarajevo. Petrovic considero que cada zapato debería responder a la idea de una estructura arquitectónica escultural y para ello se declaró influenciada por la arquitectura de Naum Gabo y Santiago Calatrava. En su premisa Petrovic menciona también a Bernard Figueroa, un diseñador francés, quien afirma: ‘Hay mucho espacio para usar entre el tobillo de una mujer y el suelo’. De allí que ella decidiera utilizar este espacio al máximo.

Serie  Construcciones lineares de Tea Petrovic, 2010

Serie Zapatos arquitectonicos de Tea Petrovic, 2010

Petrovic construyó una serie de prototipos totalmente a mano en los cuales los tacones actúan como las columnas constructivas donde descansa su proceso creativo: expresado mediante rotaciones, intersecciones y variaciones de formas, planos y curvas, las tensiones y soportes son ayudadas por alambres, un aspecto similar a la visualidad de la arquitectura de Calatrava. Con sus modelos Petrovic intenta repensar el concepto de diseño de calzado de tacón, al menos en teoría, porque ella es consciente que sus modelos son sobre todo objetos de arte y su funcionalidad es un aspecto secundario.

Es evidente que hoy en día para muchos creativos el diseño de calzado se posiciona como una de las ‘nuevas bellas artes’. De alguna manera estos creadores han marcando una tendencia muy específica por crear piezas enfocadas particularmente en el concepto estético y en la experimentación con los procesos de manufactura y los componentes, la funcionalidad y el comfort de estos productos serán juzgados por los usuarios. Probablemente, en el futuro algunas de estas piezas puedan alcanzar el status de iconos de diseño o ser objetos de culto y colección.

Especial para el blog de Artefacto por Ramiro Camelo

Mas Información:

Kenneth Grange, el diseño para las masas

Por Ramiro Camelo

Kenneth Grange es quizás el diseñador británico menos conocido pero ha sido asimismo unos de los pioneros del modernismo quien mas ha aportado a la creación  de productos de uso masivo en el Reino Unido, de allí que su primera retrospectiva en el Museo del diseño de Londres haya sido llamada: “Modernizando el Reino Unido” (Making Britain Modern). Grange ha diseñado una gran variedad de productos, utensilios y mobiliario que tal vez por ser de uso cotidiano para quienes vivimos en el Reino Unido, hemos olvidado que son el resultado de su creatividad. En esta exhibición, un merecido pero tardío homenaje, se muestran mas de 150 de sus diseños incluidos prototipos, dibujos fotografías y películas del archivo.

Sin duda Kenneth Grange ha influenciado como ninguno las pautas de consumo de electrodomésticos británicos en los últimos 50 años. El ha sido el creador de entre otros productos: tostadoras y procesadoras de alimentos para Kenwood; Cámaras compactas para Kodad; Planchas y secadoras para Morphy Richards; afeitadoras para Wilkinson y estilográficas para Parker. En el área de transporte por ejemplo, Grange ha diseñado del tren InterCity 125, el primer tren rápido de la compañía de ferrocarriles británica British Rail y tal vez el mas popular de sus productos es el rediseño del tradicional taxi británico, el TX1 de 1979, conocido popularmente como ‘black cab’, de los que existen 21.000 solo en Londres.

Esta es una excelente oportunidad para constatar que un excelente diseño también puede existir para lo cotidiano y lo fabricado masivamente y lo así producido, ya sea una afeitadora desechable o un tren  de pasajeros puedan llegar a consagrarse algún día iconos de nuestra cultura material. Grange, quien a los 82 anos sigue activo, ha dejado una marca no solo en el diseño británico, si no a un nivel mas universal. Grange es un diseñador ubicuo, su presencia, a través de sus diseños, esta siempre por ahí aunque nosotros no siempre la veamos. Larga vida al maestro Kenneth Grange.

DESIGN MUSEUM
28 Shad Thames, Londres
SE1 2YD
Todos los dias 10-5:45 pm
Entrada £10 (descuentos disponibles)

Completa información: http://designmuseum.org/exhibitions/2011/kenneth-grange

Vista general de la exhibición

Vista de algunos productos para Kenwood, 1960-78

Planchas para Morphy Richards, 1986-88

Maquinas para coser, Frister & Rossman, 1971

Teclado y monitor de Telex para Reuters, 1973

Diversos modelos de camaras Kodad Instamatic, 1975-77

El London Taxi TX1, 1997

Parquimetro para Venner Ltd, 1960

Afeitadoras manuales para Wilkinson, 1985-92

Calentadores de agua para Kenwood, 1990-92

Canasta de supermercado para Boots, 1994

Maqueta del Tren InterCity 125, para British Rail, 1973

Tres modelos de lamparas Anglopoise, 2003-11

Mas imágenes y articulos sobre esta exposición:

Fotos: Ramiro Camelo

Crónica visual: Pabellón de la Serpentine 2011

Por Ramiro Camelo

La galería Serpentine en Hyde Park de Londres ha inaugurado la versión 2011 de su pabellón del verano. Esta vez el arquitecto designado es el suizo Peter Zumthor, -ganador del prestigioso Pritzker Prize en el 2009-. El proyecto de Zumthor esta concebido como un ‘Hortus conclusus’, una expresión en latín que designaba un jardín enclaustrado para la devoción y meditación en los monasterios medievales. El ha declarado que su intención es crear “Un área para la contemplación, un jardín dentro de un jardín, donde el edificio es a la vez un escenario y receptáculo para el jardín interior y la luz natural”.

El pabellón de Zumthor es una muy minimalista estructura rectangular con tres entradas al frente y atrás y techo abierto en el centro. La base ha sido construida sobre un marco de madera y luego recubierto de una semi-tupida red de fibra orgánica, –similar a las usadas para costales de granos- y finalmente se ha recubierto con una emulsión acrílica negra. Al interior hay un corredor rectangular conectando todas las entradas con un exuberante jardín interior. El jardín esta rodeado de continuas bancas y otras pieza de mobiliario -mesas y sillas de zinc anodinado- para que los visitantes puedan sentarse a disfrutar el deleitable ambiente naturalista creado por el jardín. Las 30 variedades de plantas, rosales y pastos del jardín has sido cuidadosamente escogidos por el diseñador de jardines danés Piet Oudolf.

El arquitecto Peter Zumthor

Probablemente este es el mas formal e idílico de todos los pabellones presentados hasta hoy en día. Salta a la vista que no es osadamente vanguardista o estéticamente arriesgado como los de otros arquitectos, por ejemplo: Frank Gehry, Toyo Ito, Daniel Libeskind o Zaha Hadid. Pero definitivamente Zumthor ha dejado atrás las premisas meramente estéticas y ha pretendido homenajear la profusa tradición del jardín en la cultura británica y a la vez captar el Zeigeist contemporáneo entendido como un retorno a lo natural, la interacción con el paisaje y la necesidad de crear espacios amigables para meditación y relajación en medio de la ciudad, todo ello usando materiales totalmente naturales. El pabellón de la galería Serpentine estará abierto gratis hasta el 16 de Octubre presentado conferencias, noches de cine y perfomances. Los eventos concluyen con la ‘Garden Marathon’, una jornada de 24 horas ininterrumpidas de entrevistas organizadas por el curador Hans Ulrich Obrist.

‘Serpentine Pavilion, Black Continues Being Beautiful’ en el website de ACULCO radio

El discreto encanto de lo retro… View master; Intellivision; Frisbee…

Por Ramiro Camelo

Un amigo que tiene un Ipad me comentaba hace unos días que después de ver a Steve Jobs anunciando el fantástico Ipad 2, (mas liviano, mas rápido, mas delgado, doble cámara, batería mas durable, etc.) ya no podía ver su adorado Ipad con los mimos ojos. Esa envidia es lo que se conoce como “el complejo del Appleinomano” y esa degeneración no tiene cura.

Para mitigar la amargura de mi amigo por no poder tener el Ipad 2, (todavía) yo sonreía recordando aquellos tiempos en que los nuevos productos solo cambiaban de color, o eventualmente alguna nueva mejora que no era fundamental. Como cuando el walkman de Sony cambio el dial radial de análogo a digital y con memorias, no muchos cambiamos a los nuevos modelos; suponíamos que los diales digitales agotaban cerca de un quinto la vida útil de las baterías. Durante ese ejercicio nostálgico de lo retro recordamos algunas otros artefactos con los que nos entreteníamos por allá por los 70’s y 80’s, seguramente que muchos otros podrán recordar …

El view master

La primera vez que experimentamos la maravilla del 3D sin tener que usar las estupidas gafas de hoy. El view master es un clásico del siglo XX, y aun hoy Fisher Price sigue produciendo discos con las nuevas historias como Toy Story; Cars  y las antiguas: Mickey; Bambi, etc.  En 1999 el viewmaster fue introducido al Salón Americano de la Fama de los juguetes, un honor muy merecido.

La consola Intellivision

Después de gastar cantidades horrorosas de dinero aprendiendo a jugar video juegos de galería como Defender; Pac-man; Donkey Kong; Marcianitos (space invaders) a comienzos de los 80’s Nuestros padres se convencieron  que lo mejor era comprar una consola de video juegos casera. Así nosotros ganamos un Intellivision ellos perdieron un aparato de televisión.

Las consolas Intellevision producidas por Mattel prometían ser los mejor de lo mejor, pero a pesar de ser casi el doble en tamaño de las de Atari, las Intellivision no tenían teclado. También juegos como Béisbol y Hamburguesas eran aburridos en comparación con los juegos de galería Intellivision rápidamente perdió la batalla con la competencia de Atari.

Para los mas nostálgicos hay que decir que varios retro juegos de Intellivision están disponible en aplicaciones para Ipad; iphone; Nintendo DS y Xbox

El Frisbee

Originalmente llamado Pluto platter por su creador Frederick Morrison, el plato volador ya era popular en las universidades americanas desde los años 50’s, especialmente por los estudiantes de Yale.  En 1957 Morrison vendió los derechos a la compañía Wham-O quien lo relanzo con el nombre Frisbee. En 1975, Stancil Johnson publica la ‘biblia’ del Frisbee, FRISBEE: A Practitioners Manual & Definitive Treatise’.

Finalmente en algún momento entre 1978-79 hubo una gran fiebre de Frisbee en todo el mundo, en cada una de nuestras casas había al menos uno Frisbee. Pero lo imposible era lograr que nuestros perros lo atraparan en el aire.

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Cubo mágico y flip flash de Silvania

No siempre las cámaras fotográficas compactas han tenido flashes integrados como los conocemos hoy. Las primeras cámaras Instamatic de Kodak usaban flashes individuales desechables. Luego a principios de los 70’s apareció el cubo mágico (Magicub) de Silvania.  Lo mágico del cubo era que no necesitaba baterías para funcionar; el disparo se activaba mecánicamente y la luz era de tipo pirotécnico. La otra variedad era el flip flash, una columna de 10 flashes, 5 de cada lado, que debía rotarse al usar el primer lado, de allí el nombre de flip.

El Cartucho de 8 pistas

Antes del walkman y el casette compacto la música portátil se llevaba a todas partes con el cartucho de 8 pistas. El modelo muy popular de Panasonic (foto izq.) semejaba un detonador de explosivos, se le llamaba popularmente ‘Dinamita’, su lema publicitario decía: “Parece un detonador, suena como dinamita”. El reproductor no era automático, había que empujar la manija para cambiar de pista. En algún momento todos los automóviles de la Ford, la GM venían con reproductor de 8 pistas pre-instalado. Para tener una idea de la época de este boom, hay que recordar que la banda sonora mas vendida en 8 pistas fue “Fiebre del sábado por la noche”.

La televisión infantil

‘Show’n tell’, o  ‘Showtele’ como la llamábamos, era uno de nuestros juguetes preferidos de la época produciendo  imagen y sonido al alcance de nuestras manos. El tocadiscos funcionaba para 33 y 45 revoluciones, las diapositivas eran películas de 16 mm. Claramente recuerdo que en nuestro Showtele vimos Plaza Sésamo, antes que en la televisión real… ‘El mago de Oz’ fue mi película preferida.

Batalla naval de Milton Bradley

También llamado La guerra de barcos. Un juego de estrategia que ha sido disfrutado por muchas generaciones. La flotilla consistía en portaviones; acorazados; cruceros; submarino y destructores. La misión consistia en disparar misiles, usando coordenadas, para destruir la flota del contrincante. Milton Bradley, ahora parte de Hasbro, no produce la versión de mesa, solo una electrónica llamada  “New Naval Battleship”, pero esta no es tan divertida como la tradicional pensamos algunos.


El tesoro de la juventud

Sin lugar a dudas la publicación mas amada para varias generaciones. En sus paginas descubrimos lo maravilloso que era el saber y la lectura de entretenimiento. Subtitulada como “Enciclopedia de conocimientos” Fue la traducción y adaptación hispano-americana de The children’s encyclopaedia cuya primera edición apareció en 1915 y dio origen a diversas reimpresiones a lo largo del siglo. El tesoro de la Juventud consistía en 20 tomos divididos en varias secciones, las ilustraciones en color y blanco y negro eran grabados de altísima calidad estética, graficas que solíamos copiar para colorear.

Lamentablemente El tesoro no existía en nuestra casa, solo lo podía leer en la biblioteca escolar. Cuando en el libro “Cosas que debemos saber’ leí que los gatos tienen 5 garras en las patas delanteras, pero solo 4 en las traseras, espere ansioso para volver a casa y buscar a nuestro gato para comprobarlo, era cierto! Y en la cena familiar comunique “mi descubrimiento” a resto de la familia… nadie lo sabia, hasta entonces. Después de leer ‘El libro de los porque’, todos queríamos ser científicos. En sus paginas fui seducido por historias como “La isla del tesoro”; ‘El conde de Montecristo”; ‘Guillermo Tell’ y “las mil y una noche”, adaptadas para jóvenes lectores en el tomo “Historias de los libros celebres”… o era tal vez en “El libro de las narraciones interesantes”…

El escritor colombiano Daniel Samper ha elogiado con toda razón a el Tesoro de la juventud, como esa enciclopedia que marcó una generación.  El ‘Tesoro de la Juventud’ o la enciclopedia que marcó a una generación 
Por Daniel Samper Pizano.

Si desean leer algunos capítulos de El Tesoro de la Juventud visiten el Blog homónimo de Daniel Contarelli