La celebración animada de la cultura del libro

'Home' instalación de libros del artista colombiano Miler Lagos. Galeria MagnanMetz, N.Y.

Ya es una tradición que abril es el mes de los libros.  Aparte de la fecha establecida como Día del idioma y del libro celebrado el 23 de abril. Muchos otros eventos confirman que este es el mes para los amantes de la pagina impresa y la literatura no solo de lengua castellana.  Por Ejemplo, en todo los Estados Unidos desde 1996 se instauro Abril como Mes de la poesía, una iniciativa que intenta promover la poesía en la cultura norteamericana.

Uno de los eventos mas interesantes de la cultura del libro en abril es World Book Night, que se celebra simultaneamente en Alemania, El Reino Unido y los Estados Unidos cada 23 de Abril y que ofrece libros gratis al publico  para fomentar la lectura. En El Reino Unido un millón de libros, (25 títulos diferentes) serán entregados al publico, en librerías publicas, escuelas, centros comunitarios y cafés. ACULCO Radio hace parte de la iniciativa World Book Night y donara a su audiencia dos títulos. ’The Road’  de Cormac McCarthy y ‘Pride and Prejudice’ de Jane Austen.

Aunándose a esta celebración de la cultura libresca del mes de abril, el Blog de Artefacto magazine a decidido compilar una serie de videos animados que muestran el talento de los creadores audiovisuales con respecto a la inmensa tradición de la pagina impresa.  Esta selección es solo una pequeña muestra para poner en evidencia que el libro inspira y transpira un espíritu creativo que va mas allá de las palabras e ideas que contiene.  Entonces los invitamos a disfrutar estos videos.

En primer lugar esta ‘The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore’ de William Joyce y Brandon Oldenburg un cortometraje que fue galardonado este ano con el premio Oscar de la Academia. Esta brillante animación ha sido inspirada en igual medida por el huracán Katrina, la imagen de Buster Keaton, El mago de Oz y la pasión por los libros.

…

Alguna vez se han preguntado que sucede en una librería cuando esta cerrada y a oscuras? The Joy of books,  se adentra en una librería en particular. Esta es una animación realizada por Sean Ohlenkamp y su esposa administradores de la Librería Type de Toronto quienes con la ayuda de 27 voluntarios en una noche se dieron a la tarea de jugar con los libros en los estantes. Aquí esta el resultado.

Después de ver este video, habría que preguntarse que hacen los libros dentro del Kindle cuando esta apagado… o también preguntarse sí el equipo de la librería Type conoce una animación algo similar de Looney Tunes llamada Book revue, (1949) donde los libros y sus personajes cobran vida cuando la librería esta cerrada.  Book revue es una de los dibujos animados clásicos mas admirados, fue escogido como uno de las 50 mejores dibujos animados de todos los tiempos por un equipo de 1000 profesionales de la animación.

Sin embargo la historia de libros que toman vida en los dibujos animados estaría incompleta sin mencionar Have you got any castles? (1938) de Merrie Melodies. Esta viñeta es protagonizada por personajes como el Doctor. Jekyll y Mr. Hyde, Fu Manchu, el Fantasma de la opera y  Frankenstein, Los tres mosqueteros, Mujercitas y muchos mas.

Mas recientemente, la idea de los personajes que cobran vida fue explorada por  el conocido director de cine Spike Jonze (Quieres ser John Malkovich?, El ladrón de orquídeas) quien co-dirigió con Simon Cahn una animación llamada Mourir Auprès de Toi  (To Die By Your Side). El cortometraje fue realizado en la mítica librería parisina Shakespeare and Company, la animación que se tomo dos meses en completar consta de cerca de 3.000 piezas de fieltro cortadas por la artista Olimpia Le-Tan. Es una extraña historia de amor entre un esqueleto shakespereano escapado de Macbeth y una hermosa doncella fugada de la ficción de Bram Stoker. Podrá el esqueleto escapar también de un encuentro con Moby Dick?

Finalmente,  con motivo de sus 25 anos la compañía editorial 4th Estate comisiono una animación llamada This is were we live, realizada por Apt Studio y Asylum films. Este cortometraje que promociona los títulos de la editorial  fue realizado de manera tradicional cuadro a cuadro por un equipo que trabajo exhaustivamente durante 3 semanas usando cerca de 10,000 libros.  La creatividad fue reconocida con muchos premios entre ellos el de Innovación en la animación del festival de animación de Annecy en 2009.

Si desea ver mas videos de la forma como esta animación fue realizada visite el sitio de 4th Estate en Vimeo.

• Información relacionada: Podcast del Magazin Artefacto ‘Shakespeare y Cervantes’. Pulse el siguiente link para visitar Podomatic.com y reproducir.

 http://artefactomagazine.podomatic.com 

Gilbert & George al cuadrado

 Recientemente el más famoso galerista neoyorquino Larry Gagosian decidió que todas las galerías Gagosian alrededor del mundo exhibieran simultáneamente ‘The complete spot paintings 1986-2011′ de Damien Hirst, ciertamente nunca antes un artista había exhibido en once galerías al mismo tiempo y si alguien podría lograrlo Hirst era el elegido. Con el fin de incentivar el turismo Gagosiano, la galería ofreció una edición de spot paintings, dedicada personalmente por el mismo Hirst, a todas las personas que completaran ‘The complete spot paintings challenge’, visitando las once galerías de Londres, París, Roma, Atenas, Ginebra, Hong Kong, Nueva York y Los Angeles. Aparentemente cerca de 700 personas registraron su intención de completar el tour y hasta hace poco, de acuerdo a ese website, 126 personas han sobrevivido la sobre dosis de puntos coloreados y completado el reto incluso con records de 10 dias. Ahora para emular a Gagosian, el más famoso galerista londinense, Jay Jopling responde con una movida similar. Jopling ha dedicado sus cuatro galerías White Cube a la obra de Gilbert & George con una exhibición titulada ‘London pictures’, exhibiendose en los tres espacios de Londres y es la exhibición inaugural de su nueva sede en Hong Kong.

‘London pictures’ consta de 292 producciones de carteles de los tabloides de Londres con sensacionalistas titulares que destacan crímenes, muertes, violaciones, asaltos, suicidios, uso de drogas etc. Asimismo esa colección de 3712 carteles demuestra el tiempo que Gilbert & George ha dedicado a su ‘crimen artístico’ robando estos carteles de las afueras de las tiendas. Ellos reconocen abiertamente su estrategia, mientras uno entraba a la tienda para comprar un paquete de chicles o algo similar, y así distraer al vendedor el otro rápidamente despegaba el cartel y desaparecía. De alguna manera ‘London Pictures’, opera como una crónica documentada del crimen londinense. También podría describirse como un ‘retrato escrito’ de la decadencia de la urbe, o el abc del apocalipsis de la ciudad. Un retrato que no solo alude a Londres sino a cualquier otra ciudad de su misma magnitud en cualquier esquina del planeta.

Gilbert & George son hoy considerados una venerable institución del arte británico contemporáneo, aunque ellos testarudamente se niegan a aceptar ser parte del sistema. Durante su carrera han completado los tres logros del ‘artista oficial’ británico: Ganar el Premio Turner (1986); Representar a Inglaterra en la Bienal de Venecia (2005) y una retrospectiva en la Tate (2007).  Antes los ojos del publico Gilbert & George promueven la idea de que sus vidas son una continua obra de arte, su ritual diario hace parte de ese mito cimentado en base a su excentricidad. La prensa invariablemente menciona y repite las mismas singularidades de la pareja, por ejemplo: Ellos han cenado en el mismo restaurante Kurdo todos los días por los últimos veinte anos, donde cada uno come la mitad de lo que es servido en la mesa; Su casa de Fournier Street en el este de Londres no tiene cocina porque ellos nunca cocinan; En las entrevistas ellos se complementan mutuamente las frases del otro o que su casa es punto de peregrinación de turistas japoneses.

 Por otro lado, en parte por su conservadurismo ideológico, se han distanciado del resto de la comunidad artística local. Sus puntos de vista son particularmente polémicos. Por ejemplo, ellos defienden la labor de Margaret Thatcher como Primer Ministro. “Ella permitió una economía mas abierta y eso benefició  el mundo del arte”. En una entrevista reciente reprobaron la actitud de los manifestantes del movimiento ‘Ocupar Londres’ y los calificaron de ‘hippies’ e ‘idiotas’. Concluyeron diciendo: ‘ Nosotros estaríamos mejor junto a los banqueros que con esos inconformes vegetarianos desempleados’. Al final, se puede suponer que esas opiniones muy provocadoras no son tomadas muy en serio por el mundo del arte que sabe de las imposturas de ‘dos artistas burgueses, gruñones y excéntricos’, que nunca pierden una oportunidad para demostrar esa Importancia de Ser Gilbert & George.

This slideshow requires JavaScript.

(Mueva el cursor a la ventana para ver opciones: Adelante, parar o atrás.)

Gilbert & George  LONDON PICTURES
Galerias White Cube de Londres -Berdmonsey, Hoxton Square, Maison’s Yard- y Hong Kong 
Mas información: www.whitecube.com 

Fotos y texto: Ramiro Camelo

Piezas de culto: Zapatos muy exclusivos

Una mirada a la tendencia por diseñar zapatos femeninos casi como objetos de arte usando nuevas tecnologías, innovadores materiales y mucha creatividad.   

Mojito de Julian Hakes, 2011 © dezeen

Uno de los espacios mas visitado durante la exhibición de London Fashion Week, -Otoño/invierno 2012- fue el de Julian Hakes. No fue sorpresa que muchos quisiéramos ver de cerca su producto mas cotizado, y además el único que ha creado, un modelo de zapato llamado Mojito, que de cierta manera ha revolucionado el proceso de pensar y crear zapatos. Julian Hakes no es un diseñador de modas, es un curioso arquitecto británico que un día reflexionaba sobre el calzado femenino. El se preguntaba porque los zapatos de tacón alto para mujer necesitaban tener una suela continua, si cuando se mira la huella que dejan, solo se ve la marca de la parte delantera de la suela y el tacón que son los componentes que sostienen el pie.

Hakes utilizo sus conocimientos en diseño de estructuras, física del material, geometría y la última tecnología de software para analizar la ergonomía del pie y finalmente creó un prototipo curvilíneo forjado en una sola pieza. El resultado es muy sensual, el zapato parece abrazar el pie en vez de cubrirlo, a simple vista parece la cascara espiralada de un limón, como las que se usan en para el coctel mojito, de allí su nombre.  En  principio Hakes no considero que su prototipo de zapato tuviera viabilidad, a pesar de esto lo envió a Dezeen, un conocido blog de diseño británico, donde fue publicado como muchos de otros prototipos de productos que nunca pasan al proceso de producción. Casi enseguida Hakes comenzó a recibir atención de la prensa de todo el mundo. El artículo de Dezeen fue republicado y replicado en social media y por ello su nombre apareció en las búsquedas automáticas de Google.

Mojito, Primer prototipo, 2010 y Mojito en uso © dezeen

Así después de cerca de un año de desarrollo y mejoramiento del primer prototipo (arriba) el Mojito debuto públicamente durante London Fashion Week Primavera/Verano 2011 en dos pasarelas, Ann Sofie Back y Ada Zanditon. Pero desde entonces los zapatos de Hakes no se habían visto en público hasta la semana pasada en London Fashion Week 2012. Allí Hakes revelo mas detalles, por ejemplo los materiales, el modelo esta moldeado en fibra de carbono, lo que le aporta al mismo tiempo flexibilidad y resistencia, cuero en el interior y caucho de alta densidad en el soporte del tacón. También confirmo que Mojito ya está en producción, su lanzamiento es esperado para el próximo verano y estará disponible originalmente en más de 30 puntos de venta alrededor del mundo.

Zaha Hadid para Lacoste, 2009

Como producto Mojito es el resultado de utilizar además de una visionaria intuición, la tecnología de software y nuevos materiales usados para diseñar aviones y automóviles de alta gama. Tal vez su mayor atractivo es que esta moldeado en una sola pieza, su banda en espiral es una metáfora visual de movimiento ondulatorio. La sencillez del Mojito rebosa un elegante minimalismo que poca veces se ve en un accesorio de moda. Este concepto de espiral fue similarmente utilizado por Zaha Hadid en una línea de zapatos para la marca Lacoste. (izq.) Hadid que es una arquitecto reconocida por su revolucionario manejo de la formas y quien ya había creado una línea de calzado para la marca Melissa. Pero en su colaboración con Lacoste va mucho mas lejos, Hadid creo un zapato que responde a la ergonomía del pie de manera automática. La estructura interna construida en acero ha sido recubierta de cuero que ha sido grabado con una textura ondulante mediante un proceso de laser.  El modelo tiene un sistema de cierre al final, -cerca a la rodilla-  que se asegura con un elaborado sistema de clip inteligente, adaptable a discreción del usuario. La idea de un zapato formado por una sola pieza de material ha sido recurrente recientemente. Hace unos años la diseñadora holandesa Marloes ten Bhömer presentó Beigefoldedshoe (Abajo) un zapato producido en una sola pieza de cuero envuelta sobre un esqueleto de acero. Estos zapatos que se han tomado un largo proceso de estudio y desarrollo son fabricados en ediciones limitadas que cuestan £2.250 y a pesar de su inusual estilo al parecer son más cómodos que modelos tradicionales. 

Beigefoldedshoe de Marloes Ten Bhömer, 2009 © Marloes ten Bhömer

Bhömeres quizás  una de las diseñadoras que mas ha experimentado con el concepto de forma, función, materiales y manufactura en el calzado femenino contemporáneo hasta crear modelos que desafían toda las pre-concepciones de como un zapato debe ser. Por ejemplo, para el modelo Noheelsshoes, (Abajo) -unos zapatos moldeados en poliuretano-, ella explica que ‘Intentó producir un zapato que no tuviera ninguna muestra de ser hecho por manos humanas, incluso eliminando el tacón para evadir la idea que se tiene de un zapato.’ 

Noheelsshoes de Marloes ten Bhömer, 2008 © Marloes ten Bhömer

Bhömer comenzó produciendo sus prototipos con tecnologías de impresión en 3D, que permite crear modelos en tres dimensiones en muy corto tiempo a partir de adicionar capas de plásticos, sintéticos o resinas-. Sin embargo a pesar de las ventajas de ese proceso, como incluir diferentes materiales en un mismo prototipo, considera que esa técnica resulta todavía una posibilidad muy costosa para producir muestras. Hoy en día, -para evitar el uso de grandes compañías que solo producen grandes cantidades- ella mezcla modelos virtuales de computador con 3D para crear ediciones limitadas destinadas a la comercialización. El avance de la tecnología de impresión en 3D, ha sido un desarrollo fundamental para fundir pruebas de piezas en el campo del diseño. En la moda el uso de la impresión en 3D ha sido utilizada con excelentes resultados, por ejemplo Naim Josefi y Souzan Youssouf, estudiantes de Beckmans una afamada facultad de diseño de Estocolmo, crearon digitalmente su modelo de zapatos Melonia (abajo) y luego cinco pares fueron modelados a través del proceso de sinteración selectiva por láser por la compania Materialise de Belgica.

Melonia de Naim Josefi y Souzan Youssouf, 2010 © Materialise

Los zapatos Melonia de esquelética estructura fueron usados en una colección de la facultad de moda de Beckmans durante la feria de moda de Estocolmo 2010.  Despues del evento, el Melonia fue acreditado como el primer zapatos producido en 3D que es completamente funcional. Asimismo, su originalidad lo hizo merecedor de una  nominación al BRIT Insurance Prize 2011 del Museo del diseño de Londres. Otro interesante ejemplo de impresión en 3D, o prototipo rápido como también se le conoce, en el diseño de zapatos fue presentado recientemente en la exhibición Send to Print / Print to Send de la galería Londinense Aram. Allí la talentosa diseñadora Chau Har Lee presento su modelo Rapidform, moldeado en 3D a partir de resinas. Har Lee afirmó que Rapidform a pesar de ser solo un modelo para exhibición ha sido creado con el objetivo de adornar el pie y podría ser mejorado hasta convertirse en un modelo completamente funcional.

Rapidform de Chau Har Lee, 2012

Julian Hakes el creador de Mojito confeso que cuando afronto el desafío de concebir su prototipo asumió ese proceso creativo de manera similar a la de diseñar un puente. Una analogía que también fue el comienzo de la colección concebida por Tea Petrovic, una estudiante de la academia de artes de Sarajevo. Petrovic considero que cada zapato debería responder a la idea de una estructura arquitectónica escultural y para ello se declaró influenciada por la arquitectura de Naum Gabo y Santiago Calatrava. En su premisa Petrovic menciona también a Bernard Figueroa, un diseñador francés, quien afirma: ‘Hay mucho espacio para usar entre el tobillo de una mujer y el suelo’. De allí que ella decidiera utilizar este espacio al máximo.

Serie Construcciones lineares de Tea Petrovic, 2010

Serie Zapatos arquitectonicos de Tea Petrovic, 2010

Petrovic construyó una serie de prototipos totalmente a mano en los cuales los tacones actúan como las columnas constructivas donde descansa su proceso creativo: expresado mediante rotaciones, intersecciones y variaciones de formas, planos y curvas, las tensiones y soportes son ayudadas por alambres, un aspecto similar a la visualidad de la arquitectura de Calatrava. Con sus modelos Petrovic intenta repensar el concepto de diseño de calzado de tacón, al menos en teoría, porque ella es consciente que sus modelos son sobre todo objetos de arte y su funcionalidad es un aspecto secundario.

Es evidente que hoy en día para muchos creativos el diseño de calzado se posiciona como una de las ‘nuevas bellas artes’. De alguna manera estos creadores han marcando una tendencia muy específica por crear piezas enfocadas particularmente en el concepto estético y en la experimentación con los procesos de manufactura y los componentes, la funcionalidad y el comfort de estos productos serán juzgados por los usuarios. Probablemente, en el futuro algunas de estas piezas puedan alcanzar el status de iconos de diseño o ser objetos de culto y colección.

Especial para el blog de Artefacto por Ramiro Camelo

Mas Información:

• Julian Hakes http://www.hakes.co.uk/
• Galeria de estilos de Marloes ten Bhömer:  http://marloestenbhomer.squarespace.com/
• Chau Har Lee: http://www.chauharlee.com/
• Blog de Tea Petrovic: http://teapetrovic.wordpress.com/

Tocala otra vez Sam: el arte del ‘remake’, reinterpretación y parodia

Tim Dowling de 'The Guardian' hace el remake del 'autoretraro de Van Gogh con oreja vendada'

Vivimos en una época donde el remake se ha convertido una nueva forma de arte, principalmente en la industria del cine que a falta de ideas ha acudido a remakes y secuelas para seducir al publico. Por otro lado muy frecuentemente se ha dicho que ‘la copia es la mejor forma de adulación’ para justificar el acto de robo creativo y la copia. Pero hay una gran diferencia entre solo copiar y reintrepretar, definitivamente recrear cualquier obra de arte es una forma de aproximación para analizarla de una manera diferente.

El auge del esa fiebre del remake esta ligado a la diseminación casi instantánea que ofrecen los canales de distribución del Internet, ya sean blogs, redes sociales y a los sitios de compartir video y fotografía. Muy frecuentemente los comentaristas de la cultura digital hacemos eco de nuevas formas de reinterpretación de obras de arte, ya sea usando bloques de Lego, como lo realizan John Cake & Darren Neave; con la muñeca Barbie; con la comida del día según el projecto ‘Sandwich artist’, hasta las recreaciones de viejas fotos del álbum familiar, o los homenajes a iconos de los juegos de video con notas de post-it.

Recientemente una de estas tendencias de reinterpretación capto la atención de la web. La compañía de software Adobe invitó a estudiantes del Reino Unido a recrear obras de arte clásicas. El reto de Remake, como la competición fue titulada, era recrear obras de arte fotográficamente con mucha creatividad pero sin utilizar software digital de foto edicion, por ejemplo Photoshop, Paint shop o similares. Las entradas fueron difundidas públicamente en el website http://www.booooooom.com. A continuación hemos escogido una selección de las recreaciones enviadas a esa competencia.

———

El arte del remake como video-clip: ’70 million’ de Hold your horses

-

• Vea todos los envios del projecto Remake en Booooooom.com
• Listado de los finalistas de Remake

Podcast: La cultura del ‘remake’, apropiación, re-adaptación, parodia y otros refritos. 

Pulse en la siguiente imagen para ir a Podomatic.com

Cronica Visual: Las mejores 75 portadas de la revista LIFE

La revista LIFE desde su fundación en 1936 se ha consolidado probablemente como la mas reconocida y tradicional de las revistas de información que se haya publicado. LIFE siempre ha preferido las imagenes al texto, su portada consiste siempre en una sola fotografía con el logo blanco y rojo en la esquina izquierda es uno de los iconos de la cultura visual del siglo XX. Con motivo de sus 75 años, los editores escogieron las mejores 75 portadas, dentro de las 2237 publicadas. A continuación incluimos 10 portadas de esa selección. Para ver el resto de las portadas visite el enlace al final de esta entrada.

…

Cobertura de la guerra de Vietnam, 1964. Foto: Larry Burrows/TIME & LIFE Pictures

…

 La primera portada dedicada a la moda, 1937.  Foto: Alfred Eisenstaedt/TIME & LIFE Pictures

…

Bombardeo en Italia durante la  Segunda Guerra Mundial, 1944. Foto: U.S Army Air Force/LIFE Magazine

…

Otra portada sobre la guerra de Vietnam, 1965. Foto: Larry Burrows/TIME & LIFE Pictures

…

Alfred Hitchcock promociona, ‘Los pajaros’ 1963. Foto: Philippe Halsman/LIFE Magazine

…

Primeras fotos publicadas de la vida humana antes del nacimiento, 1965. Foto: Lennart Nilsson/LIFE Magazine

…

Portada  de la edición sobre los felinos Africanos, 1967 . Foto: John Dominis/TIME & LIFE Pictures

…

Louis Armstrong, 1966. Foto: Philippe Halsman/LIFE Magazine

…

 Foto de Ed White, el primer astronauta Americano en un paseo espacial, 1965. Foto: James A. McDivitt of NASA/LIFE Magazine

…

Una de las portadas dedicadas a Marilyn Monroe. 1952. Foto: Philippe Halsman/LIFE Magazine

…

• Vea la lista completa de la revista LIFE: The 75 best LIFE covers of all time
• Mas de fotografía: Podcast MP3 en Podomatic.com en memoria de la legendaria fotógrafa Eve Arnold (1912-2012) 

Todas las imagenes propiedad de LIFE & TIME Magazine

Podcast “Leonardo da Vinci: Pintor en la corte de Milán” en la National Gallery

      Recientemente la National Gallery de Londres inauguró una exhibición sin precendentes en la historia del arte, “Leonardo da Vinci: Pintor en la corte de Milán”.  Esta exhibición por su magnificencia ha sido unánimemente recibida con excepcional entusiasmo por la crítica y el público, incluso ha sido descrita por la BBC como ‘El show mas impresionante jamas visto’.  Su despliegue publicitario ha generado tal expectativa que la totalidad de las entradas estuvieron agotaron a escasos cuatro días de abierta al publico, algo que nunca había sucedido el la National Gallery. La exhibición se centra en el periodo que Leonardo vivió en Milán (1482-1499) como pintor de la corte de Ludovico Sforza y reune por primera nueve de las quince pinturas atribuidas al maestro.  Entre las piezas mas destacadas están las dos versiones de la “Virgen de las rocas”, una de ellas en préstamo del Museo de Louvre, “Joven con armiño”, y ‘Salvator Mundi’, la mas reciente pintura atribuida a Leonardo después de muchos años de investigación.

El magazin Artefacto de ACULCO radio realizó un especial para reseñar y comentar ideas en torno a esta única exhibición. Pulse en la siguiente imagen para abrir el enlace y escuchar el podcast en Podomatic.com

• Mas información: http://www.nationalgallery.org.uk/whats-on/exhibitions/leonardo

• Vea una galeria virtual en ‘The Guardian’ de Londres: http://www.guardian.co.uk/artanddesign/gallery/2011/may/09/leonardo-da-vinci-national-gallery

OMA progress, en la galería del Barbican

La galería del Barbican Centre, Londres acaba de inaugurar una exhibición sobre la practica arquitectónica del grupo de arquitectos Office for Metropolitan Architecture, conocida popularmente como OMA, liderada por el mundialmente reconocido arquitecto Rem Koolhaas. Curiosamente OMA, fue fundada en Londres en 1975 en la Architectural Association por Koolhaas, Madelon Vriesendorp y Elia y Zoe Zenghelis todos ellos influenciados por las vanguardias estéticas de los 60′s y su primer objetivo fue desarrollar “una forma mutante de urbanismo”. En un principio OMA logro reconocimiento con la publicación de Delirious New York de Rem Koolhaas en 1978, considerado como un manifiesto retroactivo sobre Manhattan y un texto seminal de la arquitectura contemporánea.

En sus años formativos OMA presento excepcionales projectos en concursos como la extensión del parlamento Danes (1978); El parque La Villette, en Paris (1982); el centro de medios ZKM en Karlsruhe (1989) . Durante ese mismo periodo construyó edificios muy ambiciosos, desde casas privadas hasta complejos projectos urbanísticos como Villa Dall’Ava, en Paris (1992); Nexus Housing, en Fukuoka, Japón (1989); La Kunsthall de Rotterdam (1992) y la Maison a Bordeaux (1998). Mucho mas recientemente OMA ha completado La casa de música de Porto, en Portugal (2005); El museo universitario de Seul en Corea del Sur (2005) y La librería central de Seatle (2004) entre otros. En la actualidad OMA esta construyendo El CCTV, el edificio de la televisión estatal China, en Beijing, su projecto mas grande que se espera sera inaugurado a finales de año; El centro de artes de Taipei (2014); y de Rotterdam, uno de los complejos urbanos mas grandes del mundo en Rotterdam (2013). Hoy en día Oma cuenta con 280 arquitectos y aparte de su sede principal en Rotterdam, mantiene oficinas en Beijing, Hong Kong y Nueva York.

La exhibición del Barbican ha sido curada por el colectivo Rotor de Bruselas quienes tomando como base el extenso archivo de OMA, y después de visitar sus oficinas y hablar con muchos arquitectos de la firma han propuesto una exhibición muy experimental pretendiendo crear un retrato de OMA y tambien ‘una exhibición de exhibiciones’ que al momento de la presentacion a la prensa se notaba deliberadamente inconclusa. Rotor además de haber recompuesto el espacio de la galería, -habilitando por primera vez la entrada oeste y reubicando la tienda al interior del espacio- ha decidido mostrar muy pocos modelos de projectos, para enfatizar mucho mas un lado casi desconocido de OMA. el de creador de objetos, por un lado se pueden ver piezas, como una falda para Prada, o un inmenso cojín diseñado para Maison a Bourdeaux, el código de barras para la U.E. pero tambien se enfatiza el papel de OMA como generador de imagenes e ideas: una pantalla presenta una secuencia que dura 48 horas con cerca de tres millones de imagénes del archivo de OMA, asimismo un plotter que imprime en tiempo real fotografías de los projectos en curso.

La exhibición semeja un gran laboratorio enciclopédico de OMA y a la vez una declaracion de principios de su extenso desarrollo material y conceptual. De alguna manera a la vista de este escenario parecería que OMA es no solo una compañía de arquitectura, es mas bien una célula generadora de ideas y también de utopias. Sin lugar a dudas, se podría decir que OMA es la oficina de arquitectura mas vanguardista que se pueda encontrar hoy en día.

"Project Machine" Un display interactivo de todos los projectos de OMA

…

En el patio de esculturas: Plano 1:1 del Maggie's Centre de OMA en Gartnavel (Escocia)

…

Rustica puerta rotativa - entrada de la exhibición-

…

Plotter imprimiendo reportes e imagenes de los projectos de OMA

…

Area "Preocupaciones actuales" o Lo que piensa OMA

…

Vista general de "Preocupaciones actuales"

…

OMA promueve el reciclaje, algunos paneles de la exhibición han sido usados previamente.

…

Area "Adaptarse en vez de retirarse"

…

Falda para el show Prada Transformer (2009), una exhibición diseñada por OMA

…

En el area 'Ornamentos' el escenario estaba en construcción

..

Vista de la tienda desde el segundo piso

…

En el area "Blanco o reluciente", otra muestra del lo deliberadamente inconcluso

OMA progress
Galería del Barbican Centre, Londres
hasta el 19 de Febrero 2012
Completa información http://www.barbican.org.uk

Texto y Fotos: Ramiro Camelo

• Vea el video de la conferencia de prensa de OMA Progress con Rem Koolhaas (Vimeo).

 

La guerra del Post-it

Varios reportes recientes originados en París han dado a conocer la mas reciente y curiosa guerra que se libra en las oficinas parisinas y que ha sido bautizada La guerre des Post-it. Aparentemente esta guerra comenzo en el este de la capital francesa cuando los aburridos empleados de Ubisoft Montreuil, -una compañia creadora de software para video juegos-, se dedicaron a recrear con Post-it en las ventanas las imágenes pixeladas de sus caracteres favoritos de video juegos tales como Super Mario Bros, Space Invaders, Pacman, etc.

Días despues los empleados del banco BNP, ubicado al frente de Ubisoft, decidieron hacer sus propios collages y los empleados de Ubisoft vieron esa respuesta como un reto y respondieron con muchos mas figuras. Al poco tiempo empleados de otras compañias como Expedia, DreamBox Learning, Apptio, Coca-Cola y Waggener Edstrom, entre otras se unieron para retar a sus vecinos y la guerra se extendió por todo París,

Hoy en día la la guerra del Post-it se libra en muchas ciudades francesas. Asimismo, reportes alrededor del mundo indican que las ‘hostilidades’ también comienzan a verse en otras ciudades como Londres, Berlin, Bruselas, Seattle y Sidney.

Vista de las oficinas de Ubisoft

…

Otra vista de oficinas de Ubisoft

…

Rana del video juego "Frogger"

…

Bowser del Super Mario Bross

…

Piolin

…

Pacman

…

Homero Simpson

…

Marilyn after Warhol

…

Obelix

…

Tintin en una oficina de Bruselas

• Todas la imágenes cortesia del website Post it war http://www.postitwar.com

• Siga Post-it war en Facebook aquí

• Otra galeria de imágenes: The Post-it war – in pictures, The Guardian, London

Kenneth Grange, el diseño para las masas

Kenneth Grange es quizás el diseñador británico menos conocido pero ha sido asimismo unos de los pioneros del modernismo quien mas ha aportado a la creación  de productos de uso masivo en el Reino Unido, de allí que su primera retrospectiva en el Museo del diseño de Londres haya sido llamada: “Modernizando el Reino Unido” (Making Britain Modern). Grange ha diseñado una gran variedad de productos, utensilios y mobiliario que tal vez por ser de uso cotidiano para quienes vivimos en el Reino Unido, hemos olvidado que son el resultado de su creatividad. En esta exhibición, un merecido pero tardío homenaje, se muestran mas de 150 de sus diseños incluidos prototipos, dibujos fotografías y películas del archivo.

Sin duda Kenneth Grange ha influenciado como ninguno las pautas de consumo de electrodomésticos británicos en los últimos 50 años. El ha sido el creador de entre otros productos: tostadoras y procesadoras de alimentos para Kenwood; Cámaras compactas para Kodad; Planchas y secadoras para Morphy Richards; afeitadoras para Wilkinson y estilográficas para Parker. En el área de transporte por ejemplo, Grange ha diseñado del tren InterCity 125, el primer tren rápido de la compañía de ferrocarriles británica British Rail y tal vez el mas popular de sus productos es el rediseño del tradicional taxi británico, el TX1 de 1979, conocido popularmente como ‘black cab’, de los que existen 21.000 solo en Londres.

Esta es una excelente oportunidad para constatar que un excelente diseño también puede existir para lo cotidiano y lo fabricado masivamente y lo así producido, ya sea una afeitadora desechable o un tren  de pasajeros puedan llegar a consagrarse algún día iconos de nuestra cultura material. Grange, quien a los 82 anos sigue activo, ha dejado una marca no solo en el diseño británico, si no a un nivel mas universal. Grange es un diseñador ubicuo, su presencia, a través de sus diseños, esta siempre por ahí aunque nosotros no siempre la veamos. Larga vida al maestro Kenneth Grange.

DESIGN MUSEUM
28 Shad Thames, Londres
SE1 2YD
Todos los dias 10-5:45 pm
Entrada £10 (descuentos disponibles)

Completa información: http://designmuseum.org/exhibitions/2011/kenneth-grange

Vista general de la exhibición

Vista de algunos productos para Kenwood, 1960-78

Planchas para Morphy Richards, 1986-88

Maquinas para coser, Frister & Rossman, 1971

Teclado y monitor de Telex para Reuters, 1973

Diversos modelos de camaras Kodad Instamatic, 1975-77

El London Taxi TX1, 1997

Parquimetro para Venner Ltd, 1960

Afeitadoras manuales para Wilkinson, 1985-92

Calentadores de agua para Kenwood, 1990-92

Canasta de supermercado para Boots, 1994

Maqueta del Tren InterCity 125, para British Rail, 1973

Tres modelos de lamparas Anglopoise, 2003-11

Mas imágenes y articulos sobre esta exposición:

• Neo2 blog: Kenneth Grange

• 20 minutos.es: Londres celebra al diseñador industrial Kenneth Grange y sus objetos ‘de toda la vida’

Fotos y texto: Ramiro Camelo

Crónica visual: Pabellón de la Serpentine 2011

La galería Serpentine en Hyde Park de Londres ha inaugurado la versión 2011 de su pabellón del verano. Esta vez el arquitecto designado es el suizo Peter Zumthor, -ganador del prestigioso Pritzker Prize en el 2009-. El proyecto de Zumthor esta concebido como un ‘Hortus conclusus’, una expresión en latín que designaba un jardín enclaustrado para la devoción y meditación en los monasterios medievales. El ha declarado que su intención es crear “Un área para la contemplación, un jardín dentro de un jardín, donde el edificio es a la vez un escenario y receptáculo para el jardín interior y la luz natural”.

El pabellón de Zumthor es una muy minimalista estructura rectangular con tres entradas al frente y atrás y techo abierto en el centro. La base ha sido construida sobre un marco de madera y luego recubierto de una semi-tupida red de fibra orgánica, –similar a las usadas para costales de granos- y finalmente se ha recubierto con una emulsión acrílica negra. Al interior hay un corredor rectangular conectando todas las entradas con un exuberante jardín interior. El jardín esta rodeado de continuas bancas y otras pieza de mobiliario -mesas y sillas de zinc anodinado- para que los visitantes puedan sentarse a disfrutar el deleitable ambiente naturalista creado por el jardín. Las 30 variedades de plantas, rosales y pastos del jardín has sido cuidadosamente escogidos por el diseñador de jardines danés Piet Oudolf.

El arquitecto Peter Zumthor

Probablemente este es el mas formal e idílico de todos los pabellones presentados hasta hoy en día. Salta a la vista que no es osadamente vanguardista o estéticamente arriesgado como los de otros arquitectos, por ejemplo: Frank Gehry, Toyo Ito, Daniel Libeskind o Zaha Hadid. Pero definitivamente Zumthor ha dejado atrás las premisas meramente estéticas y ha pretendido homenajear la profusa tradición del jardín en la cultura británica y a la vez captar el Zeigeist contemporáneo entendido como un retorno a lo natural, la interacción con el paisaje y la necesidad de crear espacios amigables para meditación y relajación en medio de la ciudad, todo ello usando materiales totalmente naturales. El pabellón de la galería Serpentine estará abierto gratis hasta el 16 de Octubre presentado conferencias, noches de cine y perfomances. Los eventos concluyen con la ‘Garden Marathon’, una jornada de 24 horas ininterrumpidas de entrevistas organizadas por el curador Hans Ulrich Obrist.

Fotos y texto: Ramiro Camelo

• ‘Serpentine Pavilion, Black Continues Being Beautiful’ en el website de ACULCO radio

• Información relacionada: ‘The secular retreat’ de Peter Zumthor para Living Architecture